当我们在纽约热爱小说的时候。

在王家卫爵士的电影《花样年华》中，老爵士歌手纳塔·金·科尔一下子迷倒了中国观众。在珍珠港，是爵士给了空军小伙子们出征前与护士们欢聚一堂的温馨一幕。还有男歌手约翰尼·哈特曼在《廊桥遗梦》中演唱的悲伤歌曲《时光在卡萨布兰卡》和《我看见你的脸》，以及戴安娜·华盛顿演唱的带有强烈布鲁斯色彩的歌曲《微风》。在《西雅图夜未眠》中，路易斯·阿姆斯特朗的著名爵士歌曲Makin'Mhoopee，美国歌手班尼特在《新娘不是我》中的《你今晚的样子》，尼古拉斯·凯奇主演的《纽约之恋》，比莉·哈乐黛演唱的《他们不能把那从我身边夺走》，科波拉的《棉花俱乐部》。在这个多元文化的音乐时代，爵士乐元素越来越多地被采用，包括流行音乐、摇滚乐、古典音乐和风靡全球的Hip-pop。电台司令新作KID A，肯尼·基萨克斯，窦唯翻译乐队，顺子新专辑...音乐就在那里...还有丁伟的断翅蝴蝶...事实上，爵士乐的独特魅力已经被越来越多的人所熟悉和喜爱。什么是爵士乐？简单地说，爵士乐是一种混合音乐。从中可以找到美国的民谣，黑人的灵魂乐和恩怨，还有各种村韵。这种“鸡尾酒”音乐从起源到现在只有一百年的历史。

一、爵士乐起源的背景文化(一、非洲起源爵士乐来源于黑人音乐，黑人音乐的故乡是非洲音乐。在非洲文化中，音乐是基于对生活的完整理解，它无处不在，充满了一切，不仅服务于宗教，也服务于生活的方方面面，包括出生、疾病、工作和娱乐。非洲，一个充满原始野性的大陆，是其音乐中最突出、最重要的因素。原住民的鼓点，在烈日下自然生出火焰般跳跃的节奏。由此，这种节奏成为了非洲音乐的核心，其独特的生命力和强大的感染力让世界上的每一个人都深深感受到了来自非洲的动态冲击。非洲音乐传统是“口头”的，没有唱片，没有惯例，但是有地方风味。口头传统产生灵活性和创造性。节奏歌词随着主唱的心情而变化。主唱(经常)在表演中编造新的词和曲调，这就是“即兴创作”的含义，即艺术家用脑(和心)创作。非洲音乐的另一个突出特点是演奏中节奏的变化。通常起病延迟，音节随机加重。18世纪到19世纪，奴隶贸易兴盛，很多来自非洲各个角落的黑人被卖到美洲，其中大部分人充当奴隶。黑人音乐文化的遗产被白人殖民者严重破坏了。在奴隶制的压迫下，他们顽强地维护着自己的文化。和舞蹈、音乐、神话、宗教仪式一样，“自由修改”文字、节奏、风格的趋势越来越明显。这是他们民族文化中最珍贵的东西，经过代代相传，其核心部分终于保存了下来。奴隶解放后，这些传统文化有了新的发展，甚至最终给占统治地位的白人的音乐文化打上了特殊的印记。(2)宽容的文化氛围非洲音乐中的传统节奏和即兴创作是黑人音乐的根源。在黑人音乐完全影响美国主流音乐之前，美国白人音乐并不注重旋律。此外，非洲音乐不仅仅是节奏。正宗的非洲音乐对旋律的重视程度至少不亚于节奏。节奏在美国黑人音乐中的特殊地位与早期白人奴隶主禁止黑人唱歌和弹琴有关。黑人音乐刚到美国时受到很大限制，但总有地方容纳来自非洲的音乐。新奥尔良正处于这样一个政治位置。所以决定了它一定要成为爵士乐的发源地。从19年末到20世纪初，新奥尔良可能是美国最不美国化的城市。它位于距离密西西比河入墨西哥湾口80英里的地方。它融合了西班牙、法国、新斯科西亚和非洲文化，它的氛围非常开放、包容、自由和温暖。新奥尔良在爵士乐的诞生和发展中起到了关键作用。在整个18世纪，新奥尔良是一个独特的“三不管”自由区:法国和西班牙转让了新奥尔良，这个州与总督是如此的分离，以至于殖民者似乎时不时的缺席，直到1803，它被美国政府以700万美元买下。法国和西班牙在这里的统治比较薄弱，很多非洲黑人从美国南部和加勒比群岛的奴隶主那里逃到新奥尔良来享受优越感和独特性？quot作为“自由黑人”，在求职、升学、与当地白人交流、通婚等方面没有任何限制。因为异族通婚非常普遍，他们的后代在这里形成了一个占统治地位的阶层“克里奥尔人”(父母一方是非洲人，另一方是西班牙人或法国人)。19世纪初，克里奥尔人享有与白人几乎同等的社会地位。18年底和19年初，统治新奥尔良的法国人一直重视音乐，尤其热衷于音乐节和艺术节。法国和西班牙的商人和专业人士从他们的故国带来了钢琴、小提琴、小号和其他乐器，以便他们来到新奥尔良后能够继续欣赏巴赫、莫扎特和舒伯特的音乐。商人家庭富裕，受过教育，受欧洲音乐作品影响，熟悉乐器，保存传统已经成为一种习俗。后来当地人(非洲人和克里奥尔人)与他们自由交往，受到他们音乐艺术的影响，有钱人把有才华的克里奥尔人送到欧洲音乐学校，但他们年轻时接受的是正宗的黑人音乐。所以在19年末，大量的黑人和克里奥尔人音乐家在唱戏和演奏弦乐，给他们的赞助人和他们自己以文化上的鼓励。西区大部分是贫穷的黑人，但他们中间的音乐家连音乐都不懂。在这种情况下，新奥尔良出现了两个不同的音乐团体。一个是“坐乐队”，在闹市区演出。另一种是“即兴乐队”，一般在大街小巷游走。1894年，这种格局突然发生了巨变。政府颁布“种族隔离政策”，将所有黑人和克里奥尔人降为有色人种，并加以隔离。地位的下降引起了克里奥尔人的极大不满，客观上拉近了他们与当地黑人的距离。于是，受过良好音乐教育的克里奥尔人和黑人音乐家坐在一起研究和讨论音乐，使得克里奥尔人放弃了原本优美舒缓的欧式音乐，而刻意拉长，以抗议歧视。新奥尔良较早有很大的社会自由，几种不同的文化传统自由融合。来自不同国家的人们曾经可以自由交往和通婚，他们自己的音乐也被融入到新奥尔良音乐中，成为一种不同于美国主流音乐传统的混合音乐。

二、爵士乐的直接起源(1)蓝调蓝调音乐是生活在美国的黑人在艰难困苦的生活中创造的一种音乐风格。它起源于密西西比河三角洲，起源于20世纪初。1865年，美国内战结束，过去的奴隶获得了自由。他们大多数是文盲，他们的生活仍然很贫困。他们只听自己家乡种植的音乐自娱自乐，如劳动号子和摘棉花或修路时唱的农歌。宗教音乐是美国南部黑人和白人早期音乐接触的重要媒介之一，它在音乐上影响了黑人，形成了黑人赞美诗。在教堂里，黑人牧师借鉴了英国人在宗教集会上的做法，即采用一种叫做“领唱”的技巧，反复背诵两三行赞美诗，以解决人们的文盲问题。起初，这种音乐完全由人声朗诵，很少有乐器伴奏。后来，这种音乐(至少对欧洲人来说)逐渐变得非常正式，被仔细记录并定期播放。宗教黑人(往往不懂玄学神学和圣徒)也演奏音乐，但远不及牧师的期望。黑人教堂的赞美诗(这么严肃的音乐)里有很多非洲音乐术语。牧师还更换了西非音乐的主唱，唱法充满活力，扣人心弦，别具一格。吟诵，响应合唱拉长和改变音节和模式，加上喊叫和情绪生成，都是黑人提供给上帝的独特补充。到了19世纪下半叶，黑人音乐的风格迅速发展，同时也受到了非洲音乐和美国白人从欧洲带来的传统音乐的影响。劳动歌曲和黑人圣歌的结合形成了独特风格的黑人民歌，布鲁斯音乐也由此产生。布鲁斯最初主要是人声叙事，后来有了乐器伴奏。主要以吉他或班卓琴等单首乐曲伴奏，器乐旋律与演唱者交替进行。具有明显的节奏特征，保留了集体即兴的特点。20世纪20年代，布鲁斯以其独特的歌词、和谐的节奏和忧郁的旋律逐渐兴起。布鲁斯音乐包含了很多诗意的语言，反复重复，然后以一句决定性的台词结束。旋律以和弦为基础，以I、IV、V三个和弦为主和弦，以12小节为模式。旋律中，主旋律上的第三、第五、第七个音符降低了一个半音，让人感到苦乐参半，感伤。作为一种音乐形式，蓝调看似简单，但实际上几乎可以无限变化。它一直是任何一种爵士乐的重要组成部分，并且成功地保持了自己的独立存在。可以这么说吗？我怕我会打鼓，但我不知道我在做什么。br & gt蓝调是为了表达歌手的个人情感而产生的，它给音乐人提供了一个表现自我的机会；他们的爱，他们的恨，他们对工作的态度等等。著名蓝调歌手布朗·马克斯曾说:“我从来不用想象力去写音乐。蓝调不是梦，而是现实。”布鲁斯本身是一种精神状态，是普通人的音乐，是来自生活的音乐。而且它的内容包括很多，是最真实的反映；反抗不公，向往美好和爱情，挫折后的沮丧，情感的宣泄；同时，幽默，自嘲，有时甚至含泪微笑。(2)拉格泰姆REGTIME音乐本身没有颜色歧视。吟游诗人一开始都是白人。他们把脸涂成黑色，模仿和歪曲黑人音乐家的演唱。乡下贫穷的白人音乐家经常演奏欧洲民歌和路易斯安那法语区特有的移民音乐。内战结束后，士兵复员回乡后，以相当低廉的价格拥有了军乐。器乐队伍的壮大，意味着黑人音乐的成熟。当美国黑人搬到孟菲斯和新奥尔良等城市工作时，布鲁斯逐渐成为一种更加城市化的现象。1900年，由于音乐的相互融合和渗透，在新奥尔良形成了所谓的“新奥尔良派”音乐，被称为“破烂时代音乐”。如上所述，许多黑人和克里奥尔音乐家都极具天赋。他们以高超的技巧演奏欧洲古典音乐和民歌。当时，这些音乐家在妓院和酒馆为一群几乎没有音乐素养的人演奏。在醉醺醺的气氛中，他们开始修改自己的曲目，甚至自己创作。钢琴家可以自由演奏，随意偏离固定格式。他们这样做几乎是出于报复。由于演出时间较长(从晚上到凌晨)，可以想象这些散漫的艺术家们厌倦了严格的音乐标准，开始创造新的有趣的节奏格式。“青楼”钢琴家发展了两种调式——“切分音”和“即兴演奏”，是“时代音乐”的标志。20世纪初，“破烂时代音乐”表现了严格的新奥尔良爵士乐前身音乐的主要风格。“破烂时代音乐”开始被明确定义为一种独特的钢琴演奏风格。它很复杂，节奏严谨，并“引用”古典音乐进行点缀。但在底层黑人和克里奥尔钢琴家手中，古典音乐中严格的节拍被打乱甚至完全崩溃，似乎有点恶作剧的味道，因此得名“拉格泰姆”。拉格泰姆的黄金时代大概是1898到1908，但是它的时间跨度其实非常大，影响也是无穷无尽的。

三、爵士乐的发展历程早期的爵士乐(1900-1917)有32个小节，4个乐句的AABA流行歌曲。有四个小节和两个音调的拉格泰姆曲调；还有12总结的器乐布鲁斯曲调。拉格泰姆音乐的和声节奏往往比其他两种更快。布鲁斯音乐的和声节奏最慢，但其独奏旋律线变调较多，起始音不同，音高变化多。早期的爵士乐队平均有八名音乐家。新奥尔良式爵士乐队的固定形式中加入了两种乐器。有时加入小号和节奏乐器，有时加入小提琴作为主角。在演出中，不仅仅是独奏者，乐队的每个成员都要即兴表演。他们之间自发的相互谦让与合作，只是受到和弦进行结构的限制。这种新的声音在20世纪初，下面任何一个听众都能听得出来，它就是“爵士乐”。1917年，“爵士”一词首次出现在人们的生活中；这一年被公认为“爵士元年”。从此，爵士乐这种黑人古典音乐逐渐影响了整个现代流行音乐界。当时的爵士音乐更多的是一种舞蹈伴奏音乐，还没有形成很好的理论，进入高雅的殿堂。但随着时间的推移，爵士音乐家们不断地自我探索和创新，形成了一整套爵士音乐理论，创造了十几种类型和风格的爵士音乐，并逐渐成为世界音乐殿堂的主流音乐。甚至有预言家说，“未来50年，音乐会发生更彻底的变化，大致可以分为非即兴和即兴两大类，后者以爵士音乐为代表。”总有一个群体推翻另一个群体，让爵士乐充满活力。20世纪初，直到第一次世界大战前，爵士乐仍是新奥尔良的一种地区性音乐形式。20世纪20年代，因为爵士乐的流行而被称为“爵士时代”，一个著名的完全由白人组成的南方爵士乐队的集体即兴创作风靡一时。克里奥尔爵士乐队及其灵魂短号演奏家路易斯·阿姆斯特朗的出现，新奥尔良爵士乐的典范，改写了爵士乐，集体合奏开始向独奏的形式过渡。20世纪三四十年代，爵士乐在单簧管演奏家本尼·古德曼的带领下，进入了“大乐队时代”，也被称为“摇摆乐时代”。这一时期，爵士乐成为流行音乐的主流，以舞蹈为主要功能？quot摇摆乐很受欢迎。摇摆乐打破了原有的乐队组织，它将乐队数量增加到二三十个，并将乐队分为萨克斯和萨克斯。军衔是什么？米糠女种子镝yo m？你怎么了？门是分的？黄忠？quot蓝调”，打造“经典蓝调”。四十年代中期，摇摆乐在音乐上开始缺乏原创性，有时为了讨好白人听众而失去艺术个性。因此，以萨克斯手查理·帕克为代表的比波普爵士可谓是爵士乐的疯狂时期。爵士音乐家突破了“摇摆乐”的束缚，创造了“比波普”爵士乐，这种爵士乐忽视旋律，追求基于复杂和弦表现的高超即兴创作。爵士乐不再适合跳舞，而是演变成了艺术音乐，退出了流行舞台。与此同时，各种形式的爵士乐继续发展，“迪克西兰”复兴，爵士乐受到了前所未有的关注。20世纪五六十年代，爵士乐进入了自由创作的时期，被称为“Bipopo”和“Cool”。Bipopo”爵士乐成为爵士乐的主流，但同时又强调舒缓的音色和“冷爵士乐”的编曲，又称“酷”，兴起于西海岸，在50年代中期达到顶峰。然而，另一种强调灵魂歌曲创作的“硬比流行”在影响力上已经超过了“比流行”。随后，融合了非洲原始音乐和欧洲现代主义元素的无调性“自由爵士乐”真正推动了爵士乐的进步，并让听众留下了印象。20世纪60年代，“自由爵士乐”达到了顶峰。“流行”、“比波普”、“酷派”、“自由派”流派的相继出现，为现代音乐的进一步“进化、实验和想象”铺平了道路。那么爵士乐该何去何从？这是“否定-创新”中的第二个概念——创新。否定本身就意味着创新，而创新意味着新的现象会再次出现。爵士乐在吸收了美国音乐的所有养分后，开始在全世界传播。然而，当它穿过拉丁美洲时，这一刻为爵士乐增添了辉煌的历史。拉丁爵士——最受欢迎的拉丁音乐和流行音乐的最高统帅——爵士乐，碰撞出了一道光环的火花。以节奏著称的拉丁音乐与以节奏为特征的爵士乐相结合。所以拉丁爵士的节奏是任何音乐都比不上的。特别是巴西的波沙·诺瓦将拉丁节奏曼波和冷爵士乐结合在一起，打击乐器的色彩在切分音节奏的映衬下让人眼花缭乱。七八十年代，爵士乐进入“融合爵士乐”时代。音乐家将摇滚乐、节奏、蓝调、放克贝斯和流行音乐引入爵士乐，并在演奏中加入电子合成乐器。爵士乐在20世纪80年代开始回归融合”是主流，而其他音乐人则回到前流行时代寻找灵感，“新流行”由此诞生。20世纪90年代，“新古典主义者”创作出压抑、内敛、经济的音乐，脱离了爵士浪漫主义的传统。如今，几乎每一种爵士风格都活跃在舞台上。爵士乐具有强大而持久的生命力，经过百年的演变和融合，早已突破了种族和国界的限制，在世界范围内广泛传播。如今，爵士乐的主舞台也从美国转移到了欧洲，传播到了世界各地，成为一种世界性的音乐，受到了全世界音乐爱好者的喜爱。

爵士乐的四大流派，虽然现代唱片业有时会将爵士乐分为传统爵士乐和现代爵士乐，其中传统爵士乐是指用4/4拍行进乐队演奏相关作品的爵士乐，而现代爵士乐是指用贝斯演奏舞曲的爵士乐。这种区分有时似乎是毋庸置疑的。如果以这个标准来衡量，几乎无法判断肯尼·金是否比希尔·泰勒的音乐更属于现代爵士乐。事实上，传统和现代这两个相关的概念对爵士乐的类型划分并不准确，这就造成了一些既有现代风格又有传统风格的优秀作品无法归类的问题，因为爵士乐在过去100年的发展是连续的。各种风格和流派也有其相互关系，一般可分为以下19种风格:

时代风格的代表人物

1910'-1920'

拉格泰姆卡洛斯巴博萨-利马迪克贝克伯特贝尔斯

1910'-1930'

新奥尔良路易斯阿姆斯特朗大比尔比松内特亨利“红”艾伦

1920'-1930'

古典(古典爵士乐)科尔曼·霍金斯法茨瓦勒·路易斯·阿姆斯特朗

1920'-1930'

迪克西兰(迪克西兰爵士)埃迪·康顿博·克罗斯比·查理茶园

1915-1960'

标准(主流爵士乐)宾·克罗斯比迪迪布里奇沃特妮娜·西蒙

1920'-1940'

酷爵士戴夫·布鲁贝克·莱斯特·扬斯坦·盖兹

1930'-1940'

大乐队弗兰克·辛纳特拉·本尼·古德曼·艾灵顿公爵

1940'-1960'

摇摆伯爵贝西路易斯阿姆斯特朗埃拉菲茨杰拉德

1940'

波普查尔斯明格斯奥斯卡·皮特森桑尼罗林斯

1940'

拉丁(拉丁爵士)提托·普恩特·雷·巴雷托·塞隆尼斯·蒙克

1940'-

巴西爵士乐Lisa OnoAzymuthLuiz Bonf

1950'

前卫派塞西尔·泰勒·查理·海登·马克斯·罗奇

1950'-

后波普爵士乐还是主流爵士乐

1950'-1960'

第三流(第三流派爵士乐)

1950'-1960'

硬Bop艺术blakeyelvin琼斯thelonious和尚

1960'-

自由爵士乐(Free Jazz)奇克·柯瑞亚约翰科尔特兰尼尔特科尔曼

1960'-

融合英里戴维斯马文·盖韦恩更短

1970'-

跨界爵士比尔·埃文斯乔治·班森·昆西·琼斯

爵士乐歌手比莉·哈乐黛·艾拉·菲茨杰拉德·乔治·格什温

下面我们就来介绍几种比较有影响力的爵士风格。

虽然新奥尔良爵士乐创造了一个即兴演奏的合奏，但爵士乐在20世纪20年代逐渐在美国社会流行起来，对爵士乐的需求需要更多的舞蹈乐队。摇摆，如果作为一个形容词，通常指的是一种感觉，一种爵士乐切分音的感觉，一种摇摆的感觉，因为翻拍不同于古典音乐。这种感觉通常是判断一首乐曲是否是爵士乐的标准之一。因此，人们有时会听到这样的话:凯斯·贾瑞特的东西不够荡秋千，或者秋千荡不起来等等。，就是把挥杆变成评判的标准。在30年代，大乐团通常被称为swing，或者被翻译为swing music，而在30年代，它也被称为Swing-era。(也有人说从30年代中期到1946年。如果说爵士乐在20世纪20年代之前还处于萌芽状态，那么它在20世纪30年代就非常流行了。20世纪30年代初，因为流行产业(如留声机、收音机和唱片)的发展，爵士乐的重镇从芝加哥转移到了纽约。随着美国消费者群体试图从一战后的经济萧条中爬起来，爵士乐手一方面失去了独自(或以小团体的形式)表演的机会，但另一方面也让大乐队的表演风格更受欢迎。30年代中期以后，大摇摆乐队已经成为流行音乐的集大成者，直到40年代中期，随着第二次世界统治地位的最后一战，这种趋势才开始退去。这一时期，当大摇滚乐队主宰流行音乐世界，通常被称为摇摆时代。在这个爵士乐的黄金时期，电台播放着大摇摆乐队的录音，酒吧、舞厅等表演场所都被大乐队把持着。在他们音乐的激荡下，美国人民狂舞着度过他们的经济低迷、劳工动乱和世界大战。贝西伯爵的乐队是一支优秀的乐队。除了节奏感强之外，他的乐团里还有很多著名的音乐家，包括贝西伯爵的音乐和音乐家，也成为了bebop日后的前哨。有些人甚至认为他是贝博普的真正父亲。

Bebop“Bebop”是一种激进的新音乐风格，起源于爵士乐手在练习或哼唱器乐旋律时发出的无意义音节(或无意义喊声)。流行爵士乐在四十年代初开始逐渐发展，并在1945左右迅速发展。毕波普的乐句往往在结尾以一种与众不同的“长短”音模式戛然而止，这种节奏往往被哼唱为“Libop”或“毕波普”。这个词最早出现在印刷品上是作为吉莱斯皮六世1945在纽约录制的唱片的标题——“咸花生Bebop”。Bebop是在摇摆乐时代发展起来的。男高音萨克斯管音乐家莱斯特·杨和唐·比亚斯钢琴家亚瑟·泰特姆和纳特·科尔，小号手罗伊·艾尔德里奇，伯爵巴斯的节奏乐器组，查理·帕克，塞隆尼斯·蒙克，迪兹·吉莱斯皮，米勒·戴维斯和巴德·鲍威尔。Bebop音乐通常由3至6人组成的小型爵士乐队演奏。他们不用乐谱，这正是他们用来抵制摇摆乐使用改编乐谱的准则。演奏的程序是将旋律完整地演奏一遍(如果是12小节蓝调就演奏两遍)，接着是几个即兴的独奏叠句，并伴有节奏组(一般是钢琴、低音提琴和鼓)，然后重复第一个叠句的旋律，结束整首歌。节奏组从头到尾重复整首歌的和声音型(包括变化的音型)以维持音乐的结构。

20世纪40年代末和50年代，酷爵士乐直接从金波爵士乐演变而来。这种音乐风格基本上是结合了流行爵士乐和摇摆乐的一些被忽视和抛弃的特点。不和谐的声音变得流畅自然，曲调更加柔和，编曲重新受到重视，节奏乐器的演奏更加和谐。有人称之为酷，也有人称之为酷，这主要是一种不同于bebop的hot的酷的打法。五十年代初，有人受不了bebop的压力，就把bebop改了一点，把快速的和弦变化和演奏速度都放慢了。或者说，有些慢了很多。主要特点是不像bebop那样棱角分明，是一种沉稳柔顺的音乐风格。一般以西海岸为主。所谓西海岸爵士，一般是指酷炫。如果要说起源的话，应该是米勒·戴维斯和吉尔·埃夫纳斯在1949年合作的《酷酷的诞生》(Capitol)，但追随这种音乐风格的音乐人大多来自约旦河西岸。总的来说，酷派的生命是短暂的，在50年代成为主流的玩法，但很快就被Hard-bop抢了风头，但酷派的一些元素还是跑出了一些音乐人的东西。49-50年前的米勒·戴维斯，李柯尼茨，60年前史坦·盖兹的东西很酷，你可以参考一下。

自由的60年代是信仰破灭的黑暗时期。人们用艺术来逃避社会责任的监督和对自身欲望的追求。在所有艺术形式中，爵士乐可能是最难以驾驭的醉鬼。摇摆、冷却、坚硬、即兴，已经让这种音乐的发展轨迹找不到了，人们根本想不出它明天会扑向哪里。正是在这种不计后果的自由放任中，自由爵士应运而生。这种全新的音乐一出现，就深受爵士音乐家和爵士迷的喜爱。自由爵士乐不同于以往的爵士乐，对和声和旋律没有太多的限制。玩家在玩的过程中可以自由、大胆、任意的玩。自由爵士乐有一个全新的节奏概念，节奏和对称完全被打乱。同时也强调音乐本身的强度和张力，加入了很多不协和音，融合了非洲、印度、日本、阿拉伯的不同音乐，采用了印度锡塔尔琴、tabula双鼓、放大拇指琴、塞壬以及大量的电子设备和打击乐器。因此，一些自由爵士乐队看起来像一个非爵士前卫。自由爵士乐对20世纪60年代爵士乐的发展产生了深远的影响。

Fusion Fusion就是融合的意思，所以其实任何一种音乐元素都可以看作是融合，但一般来说fusoin指的是:爵士-摇滚融合，其他如巴西音乐加盟会叫:bossanova，俄罗斯演唱会叫俄罗斯-爵士。20世纪60年代，爵士乐的风光不再。30年代打开收音机收到的爵士乐，到了60年代已经被摇滚乐取代，市场决定了音乐家的人生。因此，面对商业压力，米勒·戴维斯开始在爵士乐中加入摇滚乐的元素。摇滚乐和爵士乐都来源于节奏布鲁斯，福音音乐，劳动歌曲和节奏布鲁斯。b，所以，这两个东西结合的过程还是挺自然的。至少在音乐内容上没有太多的翻转。60年代中期，老麦第二五重奏的节奏组托尼·威廉姆斯(Tony Williams)开始在他的鼓中加入一些摇滚节奏。20世纪60年代中期以后，许多人开始加入这一潮流，包括盖瑞·波顿、拉里·科雷尔、赫比·汉考、凯斯·贾瑞特、弗雷迪·哈伯德、查理斯·劳埃德、唐·埃利斯等等。起主导作用的重要专辑是老麦的三张专辑:《乞力马扎罗的女儿》(Filles de Kilimanjaro)，以及《BitchesBrew》，其中引入了摇滚乐的鼓法，低音的演奏方法也有所改变。电吉他和键盘也加入了爵士乐的舞台。这些专辑的阵容包括赫比·汉考、奇克·柯瑞亚、乔·扎维努尔、韦恩·肖特、约翰·麦克劳克林、托尼·威廉姆斯和拉里·杨，他们在未来也组建了自己的融合乐队，如Head Hunter、Retreat to Forever等。此外，由乔·扎维努尔(Joe Zawinul)和韦恩·肖特(Wayne Shorter)作曲的天气报告也在音乐中加入了中欧的民间音乐。总之，融合代表了爵士在市场上被迫害的出路，吓跑了不少原教旨派的爵士迷，但也吸引了一部分新生代加入到当时听爵士的行列。

动词 （verb的缩写）爵士乐的特点爵士乐的特点之一是它的多样性。首先，它的风格多样。从100年以来，它几乎一直在变化。各种风格的爵士乐都有十几条粗线，无数条细线。这也是流行音乐的一个属性。二是演奏过程中的变化，即兴是其典型特征。爵士音乐一般在每个人的合奏中都有一个主题框架，然后在固定的和弦变化下，发挥每个音乐家的即兴水平，他们只有一个主旋律的乐谱。