KTV如何唱好歌

1、通俗歌曲演唱的一些技巧训练对于技巧的训练方面，很多网友都比较头疼，希望这个贴子能对大家有帮助！？呵呵

一．气息训练

将身体与精神放松一些，气息调整均匀，空气不要吸入过满，不要太刻意注意姿势及口、鼻吸气的动作，因为身体状况处于常态时，外界气压大于身体内压力，在完成正确的吸气息动作后，肺部即形成负压，空气自然进入肺部，这样在演唱时吸气迅速，在话筒前无任何杂音。

要点：

1．两肩摆在自己最自然的状态

2．胸腔打开

3．两肋及后腰自然

4．小腹及臀部注意协调性

5．“横隔膜”（处于腰部“水平线”的平滑肌）注意收放的节奏

6．发音时要平稳、轻柔练习

上述状态准备好后，以四拍为一小节，心里数 | 一二三四在数四的同时，将空气瞬间吸如（空气吸入不能过满），在下一小节的第一拍发“ s ”音（国际音标的“轻辅音”，声带不振动），在发音的过程中，身体灵活自如、意识积极，肌肉不僵硬，富有弹性、神经不紧张，不松懈。发音时：呼吸的相关肌体组织上、下挤压肺部，当挤压到极限时，左右前后继续全方位向内挤压肺部。向上的气流要细而稳、集中而有力。练习曲的每个乐句，气息和声音都不能间断，时间保持越长越好。肺部的空气始终保持在肺的下二分之一处。其实通俗一些就是拉长音对气息的作用，在气息训练方面，这也是最简单易行的方法了。二．声带训练

发“ s ”的状态不变，舌尖稍向后移，声带立即振动，发出一个近似国际音标“Z”（介于“ zi ”与“ ri ”之间的音），发音时，注意力集中在声带上，练习曲的每个音都不能脱离“声带”，并要配合已练习过的气息方法。以上两个问题都是我这里反馈较多的问题，如果有什么不懂的地方可以继续问，呵呵，继续加油喽！ 2、通俗唱法的基本功

1、声音必须要让听众感觉到清晰的“质感”。要做到这一点，就必须在演唱时，声音充分靠前。这种靠前还必须是“高度集中的”。“质感”是以高度“聚焦”的形式来体现的，点子越小，质量愈高。 2、音量控制不是以放大----缩小来体现的，而是以上述这个小小的聚音点的亮----暗控制体现的，这种技术要求的目的是为了唱者广大音量时，音质仍保持聚而不散。在减弱音量时，更不能失去“质感”，哪怕唱气声时，仍不失去“质感”，电声再高明，只能改变唱者的音色，却无法制造出“音色”来。 3、音质产生于声带的振动，振动来自声带的张力---- 阻力，因而发音的“焦点”必定在声带上，西洋传统唱法中有一句声乐术语叫做----“让声带歌唱”。帕伐洛蒂说过：“声音是从声带开始的，必须使声带立即振动起来。”就是这个意思。 4、在通俗唱法中也有一句声乐术语----“声必须靠在声带上”。也是同样性质。如果说声音的出发点在嘴巴，声音就无法靠在声带上了。也就是声带的张力----阻力不到位，所产生的声音效果要么奶声奶气的；要不声音就无法集中；日本歌坛目前就有这么一种唱法，据说是为了表现“清纯”的效果。相比之下，我国的杨钰莹、何影在这方面就是比酒井法子、松田圣子要强。奶声奶气作为一种表演特色未尝不可，但完全脱离了声带的基本振动和气息的支持就成了“做作”了。“让声带歌唱”五个字同时可以具有三个内容：声音意识不要以“嘴”为出发点，而是应以声带为起点，这是一种意识，（因为声音实际上总是通过嘴巴出来的）始终应以声带为“起点”；第二种是从生理上说的，在让声带歌唱时，“软腭的两边必需放下来”，好像一直挂到脖子下面，这是在歌唱时的一个非常重要的条件，因为它是解决声带紧喉咙松的关键。腭弓松了，舌头就自由了，下巴也放松了，喉咙才可能打得开。反过来，腭弓一绷紧舌根立即下压，造成声道堵塞，一切全完了；第三种是指“声音靠在气上”（传统唱法有此要求，欧美流行唱法同样有此特点）因为歌唱方法的本质是气息----声门的阻抗，没有积极的声门张力----阻力又如何能和气息产生阻抗？声带的调节是一切科学唱法的核心，通俗唱法当然也不例外，也是欧美唱法的区别于港台、日本唱法的标志之一。这种方法的优点是声音“质感”强，嗓音特色显著。值得我国歌坛借鉴。 5、声音必需充分唱出来的另一体现是吐字。尽管通俗唱法的吐字建立在平时说话自然的基础上，但毕竟仍有程度上的差别。应该说歌唱吐字要比说话夸张得多，就如同演话剧时念台词的吐字比平时说话要夸张的情况相同。通俗唱法的吐字在发声时要求舌头左右横向拉紧，这一强调的目的是让声音更靠前，更清晰，舌头好象一直处于英语中“get”、“let”、“like”那个位置上。通俗唱法的吐字没有像中国民族唱法中“喷口”、“咬口”，那样讲究。也不象西洋传统发声那样，要求腔体打开如同打哈欠的位置上吐字。它始终要口腔后部尽量不要大于口腔前部。因此在歌唱时绝不能有意识去张大口腔后部，也就不要提软腭。通俗唱法也不要求张大口，只需口腔前呈“喇叭形”，不影响声音靠前即可。（猫咪叫时的嘴巴形状，形象地说明了唱法的口型要求）曾有过这样的情况：某女歌手平时歌唱时声音很轻，可演出时音量很大；另一女歌手平时音量很大，在台上演出音量却很小。为什么呢？原来前者音量虽小却有“质”，而且声音很靠前；后者音量大却不集中，造成质感模糊。又因“靠后”----口腔后面大于前面；声音虽大但出不来，等于不大。那么是否通俗唱法就不能使用“靠后”的意识呢？回答是在绝大多数情况下，通俗唱法无论是意识还是效果都应是靠前的。只有在特定条件下，允许采取临时“靠后”的权宜之计。这是指某些歌唱者在歌唱时下巴习惯性向前凸出，以至于造成声道阻塞，为了矫正下巴的位置，允许声音暂时“靠后”，其目的是促使下巴退后。如果这样做确能有助于矫正下巴外凸的毛病，但当错误一旦得以纠正之后，仍需按通俗唱法的“靠前”要求来歌唱。保加利亚著名声乐教师勃伦巴诺夫曾断言：歌唱的秘密是“靠前、再靠前”。为什么要如此强调靠前？在西洋传统声乐界，曾有过“靠前”----“靠后”的长期争论。原因是“***鸣”这个内容，常常容易让人造成错觉----让自己的耳朵听到振动，这种本能的习惯意识会让唱者不自觉地让自己把声音安放在口腔后部----距离耳鼓膜最近的地方，造成了自以为声音很响但人家听起来并不响。在通俗唱法中同样可能发生这种情况，绝大多数歌唱者忽视了唱者自我感觉和听者实际感觉是两回事这个客观现实。在高音上的自我感觉，甚至和实际效果完全相反。如果一个歌唱者不能建立走这么一个概念----随时不忘用自我的耳朵去聆听自己的声音----即清楚地知道自己的声音在听众耳朵中的实际效果的话，

是绝对唱不好歌的。有些歌唱者自我感觉特好，实际却完全相反。有些歌手唱得很好，却老是自卑地认为自己唱得不好，要样，这个问题在下文《唱法的误区》中还要谈到。“唱出来”就是“靠前”的本意，但传统声乐的靠前和通俗唱法的靠前在声音效果上是截然不同的，通俗唱法就是要西洋传统唱法中的“白声”，甚至可以说要求越“白”越好。 6、气感：气感不只是一种意识，更是一种“效果”，上述呼吸中用上下腹对抗来建立支持是一种手段，这并不是说在歌唱时两肋能保持张开的姿势就算有了气息支持的情况一样，“气感”正是对这种方法后鉴定。以教堂的钟为例：如果这个钟没有挂起来就敲击它，声音短促而难听；挂起之后再去调皮击它，声音会产生回荡的余音，传送十里之遥。气感能使歌声始终带有回荡的“余音”，听觉效果明显不一样，唱者的自我感觉是清楚地感到胸中有“回声”。以上几点是通俗唱法实践应用中必需注意的具体要求，尽通俗唱法是多制式、多层次的，这些要求却是一致的。但对不同层次的歌手的具体要求标准可以有所区别。如果我们按能高能低、能强能弱、能刚能柔、能亮能暗这十六字为准绳，对高层次的要求：十六字全部到位；对中层次是部分到位；对低层次的可不讲究到位。这是指技巧要求。有些歌星乐感达不到一流，而技巧却是一流的，仍能达到一流之列。作为一流乐感的歌手，纵然技巧不足，也无损于他们成为一流歌手的可能，因为乐感在通俗唱法中毕竟是首要的。正因为如此，乐感不足的人唯一的出路只有通过技巧去弥补了，而技巧制造出来的力度对比、色彩对比以及高音的爆发力等技巧，即使不能达到“动心”的效果，至少可以达到“动听”的效果。不可否认有这样的事实：有些乐感较差的人，通过“制造”却“激发”出了真的乐感，这叫弄假成真。毕竟一流乐感的人是少数，渴望“制造乐感”的人是多数。基本功是培养“能力”的，“能力”则是技巧的基础，学好基本功无疑需要付出一定的劳动代价，但也一定会有收获。任何唱法模式，当经验上升为理论时，都会发现它们有着自己的发音“套路”，在声乐专业术语上也叫“状态”。西洋传统唱法为建立这个“状态”需要化费很长时间和精力。最终仍未必都侧“种豆得豆，种瓜得瓜”。到头来颗粒无收的也不在少数。通俗唱法的基本功相对要比起西洋传统唱法要简单，就如同芭蕾舞和现代舞的情况相似：芭蕾舞非要用足尖支撑，现代舞却不需要，但在腰和腿方面都需要有“功”。芭蕾用“足尖”的特定要求与西洋传统唱法要求在“喉头沉底”的基础上歌唱，同样是难度很大，训练的“耗时”自然也长。通俗唱法则无此要求。如果的抽掉了这项特殊要求就认为通俗唱法不需要基本功，结论未免轻率了。任何唱法模式，只要有技巧要求就必要基本功，只是按不同的美学效果来建立自己的不同“状态”罢了。 3、通俗唱法的训练步骤

气息：躯干站直，胸部放松地挺起，腿不能弯曲，面部肌肉一定要放松，不要有意识去吸入大口气，直接用小腹的动作来数“1”，（不是心中数，而是口中念出来）数完后小腹立即回复原状。再收小腹数“2”，再回复原状，如此反复地数到“10”，或“20”，让小腹灵活而有弹性，反复地收腹和还原，使下腹形成自动“换气”。因为在小腹还原时，气息已自动吸入，把吸气练成下意识动作的好处在于“气口”的灵活性，另一好处是无吸气声；数1、2、3、4、5的节奏可由慢而快。开始阶段下腹肌肉会很“酸”，这是正常的。当快速练气适应之后，可用连续数123或12345或12345678910，再逐步从1----10，或1----30；最多可数到50位数。下腹肌始终处于收缩状态。这是锻炼“保持”的基础。第二步可用音阶来练气。先用三度下行3 2 1（咪来哆）；再是五度下行5 4 3 2 1 ；甚至八度下行7 6 5 4 3 2 1 .看下腹肌支持能力而定。下行适应了，可改练上下行三度音阶1 2 3 2 1 或五度上下行1 2 3 4 5 4 3 2 1 甚至九度上下行1 2 3 4 5 6 7i2i7 6 5 4 3 2 1 ，一切量力而行。关键是锻炼收紧小腹的支持余地。练下行音阶时，小腹只需收一下即可，练上下行就要求在上行时加强下腹肌向上“顶”的力量，下行时只需保持可；练八度上行当然需要更大的下腹向上“顶”的力量，总的感觉就好像把自己的重心不断向上提，切记这个练习不是为收腹而收腹，而是为了让胸廓张开，辅助动作是收紧臀部，这种基本功和练舞蹈的基本功完全一致。练音阶时用什么元音为好？最好用Hm，因为Hm要求收缩声带，可为下一步的发声训练做好准备，这是第一步。当“换气”的习惯建立之后，必需把训练重点放到张开两肋上去了，也就是在收腹发音的同时，有意识地“撑”开两肋，就如同手风琴的风箱那样拉开，这是呼吸训练中最难练的一个环节，两肋的骨框架比腹肌更有支撑力，光靠小腹支撑的能力时有限的。完成气息控制的最后一步是鼓上腹，在做这个动作时，必需带动腰围四周的扩张，此时的横膈膜才真正起到了“水闸”的作用。以上三个阶段的气息训练，可以理解为一个整体的三个阶段。也可以分为三种独立的呼吸方法，因为通俗唱法有层次性，对于像一些音域宽、力度对比度特别大的歌曲，要求强有力的气息控制。但对音域窄，不要求强烈气势的歌曲，就是用呼吸的第一阶段也足够应用了。由于保持气息这句声乐术语，经常造成错觉和误解为----“迸气”、造成气息僵化，反而破坏了歌唱的流畅。所以使用“气势”----（象征一种动态中气息）这个名词或许更恰当。至于为什么不讲吸气？理由很简单，因为歌唱是在“呼气”状态下进行的，吸气是人的本能，不吸气人就会死亡。所以把太多的精力去研究核心吸气的话，结果往往弊多利少，许多错误的呼吸方法都来自于对“吸气”的强调，永远不必担心体内无气。任何歌唱艺术都有一个***同点----气不在“吸得多”而在“吸得深”。用小腹作为“力点”，两肋为“支点”不是已很“深”了么！小腹也就是丹田。气势的“保持”建立在一种意念上，决不是保持在某个不变的躯干姿势上。这个意念可以理解为不断地在“加气”或“提气”均可，不论上下腹肌在歌唱中如何不停地运动着，摸上去均是有弹性的，不是僵硬的。虽然说歌唱是呼吸的艺术，这只是说明屯气息在歌唱中的重要性，决不能理解为正确的呼吸方法就是正确的歌唱方法，不论何种唱法模式，发声方法的正确与否远比呼吸方法与否更重要，上述的有关气势的入门训练只能说是歌唱的一种“准备”而已。只有当发声方法的调节被歌唱者充分掌握之时，气势的功能才能被充分体现出来，初始阶段的气息训练是歌唱的准备。上述的呼吸不是一种气功训练，歌唱中所要求的“气感”，和气功的“气感”性质完全不同。“气感”不仅是歌唱者的自我意识，也是听众能感觉到的具体效果，声乐术语----“声音靠在气上”是指一种具体的“效果”，在唱者的自我意识上觉得胸腔中有“回声”的感觉。在听者说来，听到的声音明显带有“混响”的效果。“气感”是通过声音来感觉的。发声训练的入门一般的起点是从声带开始，西洋传统唱法的起点是先“放下喉头”，通俗唱法一般不需要经过这个“特殊”阶段。通俗唱法的发声起点是“让声带立即振动起来。”它和传统声乐在声音效果上的根本区别是：西洋传统唱法的“基音”是被“***鸣”所掩盖的，而通俗唱法的“基音”本色是完全“暴露”的。虽然说传统唱法建立在说话那样自然的基点上，但每个人说话习惯不都是一样的，有的人说话粗重，有的轻浮，有的甚至不用“真声”。那么通俗唱法要求的“说话”状态是何种含义呢？应该是指平时说话时的“最低音高”位置上，自我感觉好象嘴巴长在喉下说话。这和传统唱法要求的“喉头放下来”不是一个意思。后者发音的喉音比通俗唱法“放下来”的喉位要低得多。不少学过声乐的人都可能知道“气泡音”。但他们发气泡音的目的是为了放松声带，其实目的正好相反，“气泡音”是声带积极起来的最佳起点。（它的声音效果也正好非常像摩托车的发动声）作为通俗唱法的入门方法，“气泡音”无疑是较理想的选择。因它就是最低音高。但这种“气泡音”怎样“过渡”到歌唱呢？在接触这个问题之前必需要先认识一下通俗唱法中最本质的发声特点----收缩声带。前文曾提到声带的整体形状如嘴唇，歌唱发音原理如同吹笛子或吹号的嘴唇，要求嘴唇收缩，吹高音时更要强化这一收缩的动作，必然使嘴唇边缘更薄。但声带看不见，摸不着，光知道它的原理又有何用？人类是聪明的，著名西班牙声乐家加尔西亚发明了喉镜，他发现了声带的最佳歌唱状态是在咳嗽前一刹那的状态，这就为歌唱爱好者提供了一个具体的方法，这种方法在另一个声乐家爱金（A.Kin）称之为“用制止的声带发音”，并注明用这种方式发出来的声音已不是真声。应该说这种声音既不是真声，也不是假声，是一种独立的声音（传统唱法叫它“混声”），更具有把真假声“焊接”起来的功能，因而它揭开了歌唱的秘密----为什么有些人天生没有“换声”现象；有些人生来不怕高音的道理。要想把咳嗽前一刹那的状态像镜头一样捕捉下来是不容易的事。经过反复试验，发现在声带前端直接发Hm的方式是比较容易“捕捉”这个动作。因此，用起动的“气泡音”逐渐向这种“声带前的Hm”过渡，被证明是一种可取而有效的入门方法。这个Hm音可以用音阶来练也可以像“拉警笛”的方式去练，也可用后者先找到感觉，再用音阶使之音乐化。当这个Hm音练到人声的自然极限时（女声到＃C，男声到＃F，这和传统声乐的换声点相比，女声相差正好将近一个八度，通俗唱法女声换声点高。男声则完全相同）必需人为地强化对声带的“压缩意识”，也就是前文介绍的有关帕伐洛蒂的那段“经验之谈”，也等于人们吹笛、吹号到了一定高度时，嘴唇的收缩必需有意识地加强那样（这种声带压缩的意识必需是更“向前”的，这一点非常重要！）此时可能伴随产生的自我意识好象有一种“窒息感 ”，不要怕坚持练的话就闯过去了，此时所产生的声音常常使唱者自己感到和原来的中声区不统一，甚至怀疑这种声音的正确性，其实大可不必，相反应该庆幸，因你已找到了“唱法的秘密”。接下来的工作是从“闭口”的Hm转为“开口”的Hm，再从开口的Hm过渡到e或o元音，再逐渐扩展到另外三个元音EH、AH、AW. 整个过程必需始终坚持这个原则----声带的压缩。具体的要求是把声音压缩成一个“点”。为了坚持声带振动这个前提，这个点在很

长一段时间内，都不能离开声带前闭幕式端这个核心位置。那么，怎样说明这一个基本功的完成呢？铁尺磨成针的比喻当然夸张了一些，但如果把声带前的这个“聚声音”练到小如针尖时，便达到了上乘功夫了。这时出来的声音中，始终“贯穿”着一根可感觉的细如游丝的“线”，这如同老式电灯泡中那根能发光的钨丝一样。发光时的灯丝，视觉上比原来粗上千百倍，其实仍细如毛发。歌唱的发声原理也一样，声源虽细如游丝，声音却如灯光一样能强弱控制自如，千万不要把看到的灯光的粗细，理解为灯丝本身的粗细。许多不知其理的歌唱者最容易进入的“误区”之一就是拼命“扩大声带的振动面积”来放大音量，结果不是高音更上不去就是唱坏了嗓子还不知为什么。在西洋传统唱法难盗分校?庵址椒ㄒ步泄乇?---集中。目的是为了使声音通过声带压缩和气息的阻抗作用，使声音产生最大的穿透力，产生强烈的“亮度”。在通俗唱法中这种关闭----集中的方法被证明：在话筒音响效果的相互作用下，同样会产生出最佳效果。虽然通俗唱法不要求太强音量，也不需要传统唱法那样的具有金属光泽的声音效果，但在“集中”这个要求上却是完全一致的。在通俗唱法要求的“三感”中的“质感”，只有声音被压缩成针尖那样一个“点”时，才能被听者感觉到“磁性”。有功底的歌星即使在唱弱声或气声时，仍侧隐约感觉到它的“质”。传统唱法的功底测试，主要是以唱半声和弱声（PP）时的音质来衡量的，在没有电声扩音的年代，一个真正有方法的歌唱家，不论唱得多“弱”，声音仍能送到剧场的每个角落，这才见真功夫。通俗唱法虽有电声扩音，但不集中声音，效果就是比不过集中的声音，点子越小的声音，质量就是比点子大的声音效果好。鲁迅先生说过：“比较是防止受骗的最有效的方法。”西北风唱法音量力度都很大，可惜生命力不强，原因在哪里？就在于音量虽大，但音不集中这个缺点上。惠特尼.休斯顿、玛丽亚.凯瑞、赛琳.迪昂唱有力度的高音时，总能受到听众的赞赏。这种高强音之所以能令人叹为观止，原因就是她们用了关闭----集中的方法。不少羡慕者认为欧美歌星之所以能唱出与亚洲歌星迥然不同的声音效果，是由于民族体质不同所造成的，完全错了！这是方法不同的原因。菲律宾女歌手雷金就是亚洲人掌握欧美唱法的实例。以欧美这一先进的唱法为楷模的，这种模式始终是以关闭----集中为发音的核心的。不论男女，不论音乐形式。用生理机能说，就是除了低声区之外，中高声区都应该用“制止的声带”（或叫做压缩声带）作为发声的基础来歌唱，也就是始终要以不真不假的混声来歌在技巧上再补充下

我们平时生活中采用的是自然式呼吸，这种是下意识的，气吸得少而浅，呼气也不用控制，一次呼吸只要三秒钟左右，不能用于歌唱。歌唱的呼吸是比较深的腹式呼吸法，既气要吸到腰的周围，然后利用呼气肌和吸气肌的对抗，找到用力的支点。一次呼吸往往长达十几秒钟，歌唱的高低强弱，茚扬顿挫的变化，全*呼吸肌肉灵活有力的运动来完成。唱歌时要一直保持这种状态，声音完全由气息来控制，这就是人们说的“声*气传”。 ⒈吸气想象自己处于一个美丽的花园之中，深深地闻了一下鲜花的异香----好，这就是歌唱的吸气，这样吸气得才深。吸气要用鼻和口同时自然的进行，尽力作到平稳轻巧，柔和，不可用强制力量，不能僵，气要吸得深，不可吸在上胸和心窝处。吸气以后要有像打喷嚏之前那样短暂的一憋，体会一下腰周围的扩张，膨胀的感觉。找到这种感觉是唱歌的关键。 ⒉呼气呼气的方法就是利用横膈膜的力量把腰腹扩张的感觉一直保持住。想象自己手里拿一大瓶香油往另一个小瓶里灌时那种小心翼翼，憋住气息的感觉，呼气要均匀，舒缓。各位可以准备一张10平方大小的薄纸片，放在墙上，距离它4---6CM，吸气后保持一下，然后用口吹气使之不落地，半分钟以上便为合格。也可以代之以一只燃烧的蜡烛，对着火苗发“U”音，正确的气息是火苗倒而不灭，时间越唱越好。 ⒊怎样训练横膈膜的力量横膈膜的力量对气息的保持和声音的力度都很重要。传统的训练方法有； ⒈数数字；深吸一口气，利用腰腹的力量保持住，从1开始数，数到60为合格。数数要均匀要有节奏，不能偷气。 ⒉吹灰；深吸一口气，然后就像吹掉桌上的灰尘一样往前吹气，节奏是一慢而快，体会横膈膜的力量。 ⒊多做仰卧起坐，增强腰腹的力量。颤音颤音是利用气息与喉结的配合，使声音产生波动感，起伏感。这是抒情歌曲中最常用的技巧之一。颤音有很多种类。如周华健的颤音幅度适中，不大不小；齐秦爱用小颤；邓丽君，张学友则以大颤见长；而日本歌曲的特点是“先直后颤”，即后唱一段直音，再开始颤，幅度有小到大，频率有慢到快，这需要功夫。很多朋友不会这个技巧，不要泄气，这完全可以练出来的。关键是气息与喉头要配合好，千万不要只用喉头，发出一种类似羊叫的小抖音。 ⒉气声在发生时，如果气先与声出，气多声少，就会发出气声。它使歌声更柔媚，更动人心魄。邓丽君的《在水一方》第一段，林忆莲的《爱上一个不回家的人》第一段也是典型的气声唱法。 ⒊哭腔哭腔是目前通俗歌曲演唱中最流行的技巧之一，它是再喉间和用猛然加大气息而产生的爆发力，发出一种类似痛苦的声音。张学友，周华健是哭腔的代表人物。哭腔用的好可以增加歌曲的感染力，但也不可用的太滥。 ⒋挑音挑音是一位优秀歌手必须掌握的但往往又是最容易被忽列的小技巧。它是在字尾声音向下滑在忽然往上一挑而发出的。周华健再歌唱时挑音用的很讲究，很到位。有的歌手喜欢有大挑音，如叶倩文，她演唱的《真心真意过一生》，《明月心》等歌曲，几乎每句歌词的结尾都有一个幅度很大的挑音。 ⒌噎音噎音是一种在喉间发出的类似哽咽的声音，港台歌手唱噎音最有代表的是王杰。王杰之所以给人一种悲凉沧桑之感就是因为他的歌声中“噎音”，“哭腔”特别多。