论欧美主流音乐类型
《R&B》(R & amp；b)它在20世纪40年代中期出现的时候，连名字都没有。但是这个词一出现，就迅速而广泛地传播开来。今天，R & amp；b已经成为黑人流行音乐的代名词，虽然它更多的是被特殊听众和唱片业内人士作为一种不同于说唱、灵魂乐、都市的音乐来提及。早期摇滚音乐
是基于r&的；以b为主，是受流行音乐影响的“乡村和西部音乐”的延伸。R & ampb不仅是布鲁斯和摇滚乐之间重要的过渡音乐，也是布鲁斯和灵魂乐之间最重要的音乐分支。
当然，布鲁斯无疑是R & amp；b是重要的一部分，但爵士元素同样重要。最早的r &；b艺术家来自“大乐队”和“摇摆爵士乐”领域。二战前，爵士乐远比今天流行。当时是为跳舞而演奏的一种音乐，但乐队里一般都有歌手。第二次世界大战期间，许多重要的爵士乐艺术家开始发展“Be Bop”和“Cool Jazz”，这些音乐的舞蹈元素较少。然而，受战时经济和军事因素的影响和制约，“大乐队”开始逐渐减少。但是听众，尤其是那些在大城市迅速增长的非裔美国人社区的听众，仍然希望听到会跳舞的音乐。因此，为了适应观众，音乐家们制作了音量更大、更多电声乐器和重复片段的“Boogie”。
R & amp第一次流行起来；b风格通常指“跳蓝调”。它既吸收了爵士乐中的摇摆节奏和以符号为基础的编曲，又吸收了布鲁斯中常用的回复段和和声结构。也许这种风格最重要的先驱是凯比·卡洛威。在《jump blues》中，歌手的声音更刺耳，节奏更快，乐器的表现也不一样——钢琴弹得更用力，萨克斯的声音更长更尖。
最重要和最受欢迎的“跳布鲁斯”明星是路易斯·乔丹，他的唱片在黑人和白人观众中同样成功。他也深深地影响了查克·贝里。许多早期的“跳布鲁斯”表演者来自洛杉矶，在大萧条和第二次世界大战期间，这里形成了一个庞大的黑人社区。在20世纪40年代末，更多的城市开始有自己的“跳蓝调”明星。独立的洛杉矶唱片公司“Specialty”和“Aladdin”不仅填补了大唱片公司在这一领域的空白，还通过出版“jump blues”使自己获得了成功。乔·利金斯(Joe Liggins)、蒂尼·布拉德肖(Tiny Bradshaw)、阿莫斯·米尔伯恩(Amos Williams)、卡米尔·霍华德(Camille Howard)这些已经被完全遗忘的艺术家，都在当时的“跳布鲁斯”(jump blues)中取得了巨大的成功，成为他们那个时代最美丽的黑人音乐家。
“跳蓝调”后来换了几种不同的风格。被称为呐喊者的歌手，为“大乐队”正式的演唱风格增添了更多活力的福音音乐和灵魂。大乔·特纳在堪萨斯州的一个爵士乐队开始了他的艺术家生涯。他是R & amp；b和“爵士”，他不仅轻松地从“爵士”变成了R &；b，甚至写过一些早期的经典摇滚歌曲。此外，怀诺妮·哈里斯、罗伊·布朗、罗伊·米尔顿和纳皮·布朗也是20世纪40年代末至50年代初“扩音器”中的重要音乐家，虽然他们的名气不如特纳。
20世纪50年代初，Billboard杂志的Jerry Wexler用“种族”音乐重新命名R & B .作为一个& amp大西洋唱片公司；杰里向流行音乐听众和青少年普及了“跳布鲁斯”。早期“大西洋”明星[露丝·布朗、拉弗恩·贝克、漂流者、查克·威利斯]的唱片保持了这种对“跳跃布鲁斯”的偏爱，但他们的节奏、回帖和歌词开始向后来的摇滚乐靠拢。事实上，贝克和威利斯也是依靠一些年轻听众喜爱的歌曲，在早期摇滚乐领域取得了不同程度的成功。从20世纪50年代早期到中期，摇滚乐开始出现。一些和r &；b明显有不同类型的音乐，它们以各自的力量对流行音乐文化施加着巨大的影响。如“Doo Wop”乐队、“电声蓝调”、“新奥尔良R&等；b”等等。这些音乐在摇滚乐历史上的影响甚至超过了更早更流行的爵士乐。乙.
相当一部分艺术家不仅在50年代幸存下来，还出版了R & amp；b记录已经成功并被认可。艾克·特纳，艾弗·乔·亨特，法耶·亚当斯，怀诺娜·卡尔，大妈妈桑顿，大梅贝尔，这些人都不是纯蓝调。而蓝调歌手Bobby“Blue”Bland、Junior Puckle、Little Milton则将“电音蓝调”与“灵魂音乐”结合在一起，不能称之为纯粹的摇滚歌手。偶尔，像约翰尼·奥蒂斯、“Screamin'Jay Hawkins”和威尔伯特·哈里森这样的歌手能够在摇滚乐观众中赢得认可，也是通过他们最受欢迎和易懂的歌曲。哈里森的《堪萨斯城》是一首流行的“跳跃布鲁斯”歌曲。
20世纪50年代的一些歌手开始制作R & amp；b比以前更受欢迎——加入了明显的“福音音乐”和教会音乐元素。今天，我们仍然记得那些伟大的名字:雷·查尔斯、詹姆斯·布朗、杰基·威尔逊、小威利·约翰、约翰尼·埃斯、杰西·贝尔文和克莱德·麦克哈特。作为灵魂乐的教父，他们中的一些人后来成为了60年代灵魂乐的巨星，比如查尔斯和布朗。还有一些人，如麦克费特和约翰，因为时代的变迁和无法解决的个人问题退出了音乐舞台。
对于R&来说；b、纪念意义和今天给予的迟来的欢呼都改变不了它当初面临的困境——早期的R & amp；b唱片很难被所有新听众接受。和R & amp在20世纪40和50年代；歌手和唱片公司更注重娱乐，而不是推广多样化的艺术作品..所以在R&中；在B的全盛时期，人们听到的歌曲都是由相似的和声、递进式调式和编曲组成的。然而，尽管R & amp；b从诞生到现在变化很大，但仍然保留了摇滚音乐、灵魂乐、说唱音乐中极其重要的一部分，在音乐背后发挥作用。
推荐记录:
1.各种艺术家《蓝调大师V:跳蓝调经典》(rhino)。
最佳“跳跃布鲁斯”选集包括大杰伊·麦克尼利、怀诺妮·哈里斯、蒂尼·布拉德肖和大乔·特纳的作品。“蓝调大师”系列的另一张专辑《More Jump Blues Classics》也有着同样的高水准。
2.各种艺术家《蓝调大师14:更多跳蓝调》(蓝调大师卷14:更多跳蓝调)(犀牛)。
和上面的记录是一个水平。其中包括路易斯·乔丹、大梅贝尔、法耶·亚当斯等人的作品。
3.大乔·特纳，大，坏，蓝:肥仔乔·特纳作品选(大，坏&；蓝色:大乔·特纳选集(犀牛)
就像特纳自己的经历一样，这张三件套专辑包含了从“大乐队”的爵士时代到摇滚乐诞生的几十年的作品。它见证了R &；b的发展历史。
4.路易·乔丹的最佳路易·乔丹(MCA)。
从20世纪40年代到50年代，乔丹录制了许多流行歌曲。没有一张专辑能囊括所有的好歌，但这张精选是最好的。
5.各种艺术家"大西洋节奏蓝调1-4系列"(大西洋节奏& amp布鲁斯Vol.1-4)(大西洋)
《大西洋》是一部现代R & ampb贡献最大的唱片公司。这是到1974为止出版的一套七张专辑中的部分——包括1947-1962 R &；b向摇滚音乐全面转型前的代表歌曲。
6.收藏(各种艺人)《专业的故事》(专业)
“专业”也是著名的早期R & amp；b和摇滚音乐独立唱片。这套五件套唱片对于“非专业”人士来说确实很多，但毫无疑问里面有很棒的艺术家和作品。它甚至展出了早期摇滚明星小理查德和拉里·威廉姆斯的作品。
7.露丝·布朗的节奏摇滚:最佳露丝·布朗(犀牛)
《大西洋》早期的名声很大程度上是由这位歌手建立起来的。这张唱片收录了她在20世纪50年代所有的好歌。
8.拉弗恩·贝克的灵魂在燃烧:拉弗恩·贝克的最佳作品(犀牛)
R&中的一个；在摇滚乐的发展过程中起了重要作用的歌手。
9.《漂泊者》、《让布吉伍吉摇滚:最佳精选(1953-1958)》【让布吉伍吉滚:伟大的测试点击量(1953-1958)】
《漂流者》的第一张唱片，克莱德·麦克哈特也参与了其中。事实上，他们也可以被称为“街头蓝调”乐队，但他们仍然有强烈的“跳蓝调”的痕迹。
10.我喜欢艾克:艾克·特纳(犀牛)的精华。
这张专辑里的歌大部分都是50年代的，是R &；b和“电声蓝调”。
11.雷·查尔斯灵魂的诞生)(犀牛)
一套三张装的唱片包括查尔斯20世纪50年代在大西洋的作品。
12.约翰尼·奥蒂斯《首都岁月》(国会大厦)
作为乐队领队和音乐人，奥蒂斯在《R & amp；b领域取得了巨大的成功。他在20世纪50年代末也在摇滚乐方面取得了成就。这张唱片是他精选的歌曲。
13.小威利·约翰的狂热:小威利·约翰(犀牛)精选集
最通用的r & amp；最好的歌手之一，他对詹姆斯·布朗有很大的影响。
14.克莱德·麦克哈特的深海球:最佳克莱德·麦克哈特(犀牛)
这是他在50年代末离开《漂流》后创作的最好的歌曲。
15.詹姆斯·布朗的《革命的根源》(PolyGram)。
一套两张记录，用于追溯历史，包括1956-1964的布朗之歌。它把我们从“硬核R & amp；b”(硬核研发；b)被带到了“放克”诞生的边缘。
布鲁斯音乐
蓝调
布鲁斯(也译作蓝调)是一种以五声音阶为基础的声乐和器乐，它的另一个特点是特殊的和声。布鲁斯起源于过去美国黑人奴隶的赞美诗、圣歌、劳动歌、喊叫声和颂歌。布鲁斯中使用的“布鲁斯之声”和戚颖的演唱风格显示了它的西非起源。布鲁斯对美国和西方流行音乐有很大的影响。拉格泰姆音乐、爵士乐、大乐队、节奏布鲁斯、摇滚乐、乡村音乐和普通的流行歌曲，甚至现代古典音乐都含有布鲁斯元素或由布鲁斯发展而来。这个词常用来形容诗歌中的犹豫。
蓝调(英文:blue，blue)和“蓝魔”的意思一样，都是低调、悲伤、忧郁的意思。早在1798，乔治·科尔曼就写过一部闹剧，叫做《蓝魔，一场闹剧》。在19世纪，这个词被用来表示震颤、谵妄和警察。这个词在非裔美国人音乐中的应用可能更古老。1912孟菲斯威廉·克里斯多夫·汉迪的《孟菲斯蓝调》是这个词在音乐中最早的书面记录。
说到现代音乐，就不能不谈布鲁斯。它是生活在美国下层社会的黑人创造的一种音乐风格。它起源于20世纪初的密西西比河三角洲，在早期，它是人们劳动的圣歌。后来逐渐影响了世界流行音乐的发展轨迹。现在你对摇滚乐和节奏蓝调这样的词很熟悉了吧？这两种音乐所用的蓝调音阶，是你在学校音乐课上学不到的，但每天走在街上，音像店传来的声音，早已让它深入你的内心。......
20世纪20年代，布鲁斯以其独特的歌词、和谐的节奏、忧郁的旋律迎合了一部分人，逐渐兴起。布鲁斯音乐包含了很多诗意的语言，反复重复，然后以一句决定性的台词结束。旋律以和弦为基础，以I、IV、V三个和弦为主和弦，以12小节为模式。旋律中，主旋律上的第三、第五、第七个音符降低了一个半音，让人感到苦乐参半，感伤。
虽然在蓝调音乐中主唱是重点，但吉他为主的乐器即兴创作也非常精彩。音乐家可以超越和弦的界限，随心所欲地演奏。除了忧郁的旋律，还包括刀的刮擦声和滑块的使用，以及模仿主唱的哼唱声。埃里克·克莱普顿乐队是布鲁斯音乐普及过程中一位成功的音乐家和词曲作者。如果你没听说过，现在就开始感受吧！
时至今日，布鲁斯音乐已经被纳入主流音乐，它的很多元素也更多的应用到了摇滚音乐和流行音乐中。然而，传统的布鲁斯音乐仍然有很大的力量。这一领域的音乐家包括B.B .金、约翰·李·胡克、埃塔·贝克、朱尼尔·威尔斯和巴迪·盖伊。
爵士乐
爵士乐是在布鲁斯和拉格泰姆的基础上，融合了一些白人音乐元素，以小型管乐队的形式即兴演奏而逐渐形成的。
爵士乐的发源地——新奥尔良
爵士乐诞生于19年末和20世纪初的美国南部城市新奥尔良。19世纪初，法国人统治了新奥尔良。由于管理松散，许多非洲黑人从美国南部的奴隶主手中逃到新奥尔良，享受“自由黑人”的地位。由于婚姻自由，非洲黑人和法国人的结合中出现了大量的混血黑人。quot克里奥尔语”。到19年底，除了白人和黑人，新奥尔良其余的居民都是克里奥尔混血黑人。内战前，克里奥尔人享有与白人同等的地位，接受了良好的教育，包括古典音乐教育。南北战争后，由于新种族隔离法的实施，他们被迫与黑人交往。黑非洲音乐传统和克里奥尔古典音乐训练的结合，对爵士乐的产生起到了很好的作用。
新奥尔良对黑人一直采取比较宽容的态度。当其他城市歧视黑人，压制黑人音乐发展的时候，新奥尔良仍然允许黑人在街头演奏和唱歌谋生。新奥尔良也是当时美国唯一实行公开卖淫制度的城市。许多妓院、赌场和娱乐场所为黑人提供了很多谋生的机会。另外，新奥尔良曾经是美国管乐器的生产中心。管乐器非常便宜，几乎任何一个黑人都很容易买到二手的，所以小型管乐队随处可见。正因为这些原因，爵士乐在新奥尔良得到了充分的酝酿和迅速的发展。
虽然现代唱片业有时会将爵士乐分为传统爵士乐和现代爵士乐，但传统爵士乐是指使用4/4拍行进乐队演奏相关作品的爵士乐，而现代爵士乐是指使用贝斯演奏舞曲的爵士乐。这种区分有时似乎是毋庸置疑的。如果以这个标准来衡量，几乎无法判断肯尼·金是否比希尔·泰勒的音乐更属于现代爵士乐。事实上，传统和现代这两个相关的概念对爵士乐的类型划分并不准确，这就造成了一些既有现代风格又有传统风格的优秀作品无法归类的问题，因为爵士乐在过去100年的发展是连续的。各种风格和流派也有其相互关系，一般可分为以下19种风格:
拉格泰姆(爵士拉格泰姆)
新奥尔良(新奥尔良爵士)
标准(主流爵士乐)
古典音乐(古典爵士乐)
迪克西兰(迪克西兰爵士)
酷爵士乐(冷爵士乐或西海岸爵士乐)
大乐队(大乐队爵士乐)
摇摆(摇摆爵士)
波普爵士
拉丁语(拉丁爵士乐)
巴西爵士乐(巴西爵士乐)
前卫(前卫爵士乐)
后波普或主流爵士乐(后流行爵士乐或现代主流爵士乐)
第三流(第三流派的爵士乐)
硬波普(硬波普爵士乐)
自由爵士乐(自由爵士乐)
融合(融合爵士乐)
交叉爵士乐(交叉风格爵士乐)
声乐爵士乐(声乐爵士乐)
岩石
岩石
历史上第一首打上摇滚烙印的作品是美国白人音乐家比尔·哈利在20世纪50年代中期录制的《夜以继日的摇滚》。那时，比尔·哈利穿着笔挺的西装，打着领带，头发油光发亮。如果这样的人走在街上或者站在现在的舞台上唱这首歌，没有人会认为他唱的是摇滚，但历史却将其定义为第一首摇滚作品。这并不奇怪。原来人们还是认为天是圆的，地是方的。原来人们还认为地球是宇宙的中心！我们可以把它看作是时代开的一个玩笑。这样看来，其实任何一个具体的定义看起来都是相对的，因为时代在变，人的认知领域也在不断扩展变化。
世界上最难的事情就是给一个东西下定义，因为需要准确简洁的描述。世界上最容易的事情就是定义一个东西，因为你可以用你自己的理解和认识方式给出一个概念。所以很久以前，在中国人的传统意识里，一头长发，一件皮夹克就是摇滚。然后有人觉得摇滚就是吉他上的独奏，贝司上的低音，架子鼓上的节奏。现在有人说摇滚是一种精神，也有人说这些都是错的。于是带着越来越多的疑惑，我开始翻阅相关著作和资料，找到了一些所谓的岩石专家给出的如下定义:
格里尔·马库斯是著名摇滚经典《神秘列车》的作者。他认为摇滚无非是“一种美国文化”。比如猫王，无非是“戏剧化地表现作为一个美国人的感觉，生动地表达美国生活的意义、价值和利弊”。
卡尔·贝尔认为摇滚是“民间艺术”，是他的《摇滚故事》中一种下意识的俚语表达。
查理·列特称摇滚为“城市之声”，认为这是城市青少年创造的一种新的音乐呐喊。
乔纳森·艾森称摇滚是“对西方文化的虚伪反叛”...一种深刻的颠覆形式”。
戴夫·哈克在《物有所值》中用马克思主义阶级斗争理论分析摇滚，认为是“工人阶级文化”。而保罗·约翰逊则在《新政治家》中高度重视摇滚，将其作为资产阶级的阴谋，目的是拉拢潜在的革命者，使他们“沉迷其中而麻木不仁，懒惰而脱离现实”。
理查德·戈尔茨坦在《摇滚的诗歌》中认为，摇滚最重要的特征仍然是对青春活力的肆意挥霍...
说到这里，我想起了美国黑人音乐家查克·贝里给摇滚音乐下的定义，也是约翰尼B的作品，好在50年代初。它讲述了一个年轻吉他手成功的故事。它以叙事的方式给摇滚乐增添了一种非常吸引人的光环。摇滚乐可以使一个普通人成功和辉煌。这个普通人可以没有乐理或者音乐方面的知识，只要他有理想，只要他勇敢地唱出自己的想法，只要他愿意。另外，特别值得一提的是，在美国向外星生物发射的一艘宇宙飞船上，这首歌也被作为人类文明的精华刻录在光盘上，以表达地球人的文明成就。
在众多类型的摇滚中，重金属在音量、阳刚之气和戏剧风格上是最极端的。重金属音的流派有很多种，但都是想尽办法把响亮的效果、失真的吉他弹奏(通常是弹奏重复的段落)和简单重击的旋律很好的理解。重金属从存在的那一天起就备受争议——批评家们传统上攻击刻意吸引大多数青少年的戏剧效果，一些保守团体经常抗议他们觉得包含有害和邪恶含义的歌词。尽管困难重重，但重金属从诞生之日起就已经成为一种稳定而流行的摇滚音乐形式，它有足够的能力适应这个时期，仍然保持其完美而未被破坏的核心诉求。尽管美国的频道选择形式很叛逆，但重金属在很大程度上仍是英国的创作。重金属的种子最初是在20世纪60年代的英国布鲁斯运动中播下的，尤其是那些发现很难适应美国布鲁斯音乐的乐队。这种节奏甚至更不规则，这增强了电子乐器的使用，并成为一个更重要的特征，特别是通过创新的音乐家，如奇想乐队，世界卫生组织，吉米·亨德里克斯，奶油和杰夫·贝克集团。然而，正如证据所证明的那样，最初真正的金属乐队是齐柏林飞船。Zep一开始演奏布鲁斯比谁都重，也比谁都吵，通过获取很多音乐源，很快就创造出了以大尺度、有质感的音乐为代表的重金属摇滚。不太精致但可能更有影响力的是黑色安息日，其黑暗，沉闷的吉他重复创造了一个想象中的世界末日，充满了毒品，死亡和超自然的混乱。接下来，这种风格被Zep和Sabbath抛弃了。20世纪70年代，许多美国乐队将重金属转变成更容易接受的形式。Alice Ccooper和Kiss令人难忘的曲调和残酷的舞台表演；低俗的布吉舞曲；史密斯飞船。范·海伦华而不实的吉他介绍和狂热的派对摇滚。20世纪70年代末，一些隐藏的英国乐队号成为英国新一波重金属(包括犹大牧师、铁娘子和摩托头乐队)，他们开始更快地演奏金属，倾斜并使用更多的恐吓。他们的出现对20世纪80年代的美国新金属——鞭挞金属产生了影响。这个新事物被定性为金属新主流的突破，它的出现以Def Leppards Pyromania为代表。金属是80年代辉煌时期最享受的。由于大量glammed-up流行金属乐队，除了thrash metal复杂重复的激烈表演外，有时还会融入一些柔和的声乐作品。像Metallica和Megadeth这样的鞭打乐队形成了狂热的粉丝，并在车库里脱下流行的金属外衣时将他们推向主流。20世纪90年代的主流金属以一种名为替代金属的新混合物为中心，这种混合物(以其有效的商业形式)通过嘻哈音乐和工业繁荣结合了研磨垃圾和垃圾的影响。在此期间，地下以更粗糙和更冷的风格成长，产生了两种类似的风格，叫做死亡金属和黑暗金属。他们创造了一些金属世界从未展示过的最重要的研磨、强烈和快速的音乐和图形震撼战术。
替代金属(替代金属)
在最初阶段，另类金属形成了自己的风格，对音乐有着不寻常的敏感度，可以直接分类。重金属是这类音乐的核心，但这些乐队太不正规，对地下的thrash metal来说影响太不拘一格，所以他们的主要粉丝都是喜欢重金属吉他摇滚的人。然而，在车库里，音乐有助于丰富替代金属，并获得了大量观众。特别是当更激进的乐队逐渐研究他们的音色时，另类金属开始成为90年代重金属中最受欢迎的风格。当它表现出几乎最少的重金属分类时，它的形式与80年代初的另类金属有着天壤之别，与此同时，大部分幸存的硬核朋克乐队都转向了金属领域的潮流，这推动了地下重金属吉他摇滚乐队到别处寻找灵感。最早的重金属风格的另类金属可分为进步摇滚()、车库朋克(声音花园、从众矫正)、噪音摇滚(耶稣蜥蜴、头盔)、狂克(信仰不再、活色生香)、说唱(信仰不再、生物危害)、工业(牧师、九寸钉乐队)、迷幻音乐(声音花园乐队、怪物磁铁)、甚至世界音乐(后来的Sepultura)。这一切的演变并不是发生在某个特定的场景，而是人们越来越渴望尝试已经形成的越来越依赖乐器的纯粹演奏形式。其中一些乐队最终在大众中获得了巨大的影响力，尤其是通过巡回演出，他们也为另类摇滚奠定了基础，另类摇滚在1993-94逐渐兴起，形成了以Rage Against the Machine和Korn为代表的说唱金属，以Tool为代表的不和谐音乐，以White Zombie为代表的重金属音乐。。。。以及以九寸钉乐队为代表的大众化突破。在剩下的90年代，这些乐队将成为声音制作和另类金属类型风格中最有影响力的力量，加上潘迪拉不同于任何鞭挞金属乐队的厚重和溶解的即兴风格。像许多其他金属乐队一样，潘迪拉严肃、冷酷、内敛，但他们展示了它的阳刚之气。90年代中后期，大多数新的另类金属乐队开始演奏一种混合了单曲鞭笞、说唱、工业、硬核朋克和车库的风格。这种新的声音包括更多的grindcore功能和暴力攻击，而不是钩子或令人难忘的重复片段，因此它更多地依赖录音室录音来完成它的力量；但它抓住了青少年隐藏的主流金属所代表的阳刚之气，从而成为一种商业崇拜。科恩，玛丽莲·曼森和Limp Bizkit，有时伴随着aggro-matal，nu-metal，或不正确地)硬核内容，是这个新运动中最大的明星，在这个十年结束时，许多新的乐队开始表演成人暴力的风格(考虑到头发态度的替代金属暴力)类似于20世纪80年代末的微金属分支。
独立摇滚(独立摇滚)
独立摇滚(indie rock)这个名字来源于“独立”这个词，代表了按照自己乐队的思路制作和发行唱片时份额小、预算低的特点。虽然大部分独立种类的音乐都是以主公司的品牌进入市场，占据销售份额，但是他们的决策过程还是按照自己的思路。同样，独立摇滚可以自由探索声音、情感、歌词的主题，而不迎合大众的口味——大众和个人口味的利润是不一样的(虽然这么做，毕竟还是想留在商界)。它深深植根于80年代的美国地下和另类摇滚，虽然地下摇滚音乐是从那时开始的？/