芭蕾是怎么来的？

法国芭蕾的音译意为:①舞台舞蹈的一种形式，即欧洲古典舞，俗称芭蕾。这是一种具有严格规范和结构形式的欧洲传统舞蹈艺术，是在欧洲各地民间舞蹈的基础上形成的，几个世纪以来不断加工、丰富和发展。19世纪以后，一个重要的技术特点就是女演员要穿特制的脚尖鞋，用脚尖跳舞，所以有人称之为脚尖舞。(2)舞剧，原特指以欧洲古典舞为主要表现手段，融合音乐、哑剧、舞台艺术和文学来表现一个故事或一个情感节日的戏剧艺术，称为古典芭蕾(或古典舞剧)。20世纪现代舞出现后，以现代舞和古典舞技法相结合为主要表现手段的现代芭蕾，称为现代芭蕾。渐渐地，芭蕾一词也被用来指代以其他舞蹈为主要表现手段的芭蕾作品，尽管它在舞蹈风格、结构特征、表现手法等方面都不同于古典芭蕾或现代芭蕾。(3)现代编导创作的舞蹈作品有相当一部分是没有故事内容和情节的。编导们用欧洲古典舞或现代舞，或把它们结合起来，表达某种情绪、意境，或作者对一部音乐作品的理解等。这些也被称为芭蕾。

芭蕾源于古拉丁语ballo。起初，这个词只是指跳舞，或在公共场合表演舞蹈，并没有戏剧表演的意思。芭蕾舞作为一种舞台艺术，孕育于文艺复兴时期意大利的盛大宴会和娱乐活动中，形成于17世纪的法国宫廷。这种宫廷芭蕾实际上是在统一的主题下，结构松散的舞蹈、歌唱、音乐、朗诵、戏剧的综合表演。由专业舞蹈老师设计，以国王贵族为演员，女性角色由男性扮演。演出场地在皇宫大厅中央，观众在大厅四周观看。演员戴着皮革面具来标志不同的角色，所以也叫假面芭蕾。

1661年，路易十四下令在巴黎建立皇家舞蹈学院。65438+黎塞留主教宫剧院在20世纪70年代开始用于芭蕾舞表演。场地和观众观看角度的变化，引起了舞蹈技法和审美观的变化，演员的站姿也越来越开放，从而正式确定了脚的五个基本位置，成为芭蕾技术发展的基础。职业芭蕾舞演员应运而生，并逐渐取代了贵族业余演员。专业芭蕾舞演员也开始登台表演，舞蹈技术发展迅速。芭蕾舞表演逐渐从自娱自乐的社会活动转变为戏剧表演艺术。这一时期的芭蕾舞从属于歌剧，宫廷作曲家J. B .卢瑞在歌剧中加入芭蕾舞场景实际上是一系列舞蹈表演，但情节似乎无关紧要。这时候叫唱芭蕾或者芭蕾歌剧。这种情况一直持续到18世纪中叶。小说，18世纪的芭蕾大师，是芭蕾史上最具影响力的舞蹈革新家。他在1760出版的《舞蹈与舞剧快报》中首次提出了“剧情芭蕾”的观点，强调舞蹈不仅是一种身体技能，更是一种戏剧表现和思想交流的工具。小说理论推动了芭蕾的革新浪潮。在他和其他许多演员、导演的不断努力下，芭蕾在内容、主题、音乐、舞蹈技法、服装等方面进行了一系列改革。这些改革最终使芭蕾舞从歌剧中分离出来，形成一门独立的戏剧艺术。

在芭蕾发展史上，有两种主要的美学观点一直在起作用。一种观点认为芭蕾是一种“纯粹的舞蹈”，16世纪的意大利舞蹈老师、女王喜剧《芭蕾》的导演B.de Beaujoyeulx认为芭蕾是“几个人一起跳舞的几何组合”。这种观点完全着眼于芭蕾的形式美，几乎完全忽略了芭蕾的内容或情节，往往导致单纯追求高超华丽的技巧。18世纪中叶以前，这种观点在芭蕾创作中占主导地位。另一种观点强调芭蕾是一种“戏剧性的舞蹈”，小说的“情节芭蕾”理论最集中地代表了这一观点。他认为，在一部芭蕾作品中，舞蹈要表现出戏剧性的内容，“剧情和舞蹈设计要统一，以逻辑清晰、易于理解的故事为中心主题，取消独舞和与剧情无关的舞蹈片段”。在舞剧中，“不仅舞蹈技术令人眼花缭乱，还要通过戏剧化的表演来感动观众”。以上两个主要观点今天仍然有效。许多导演致力于创作戏剧性或情节性的芭蕾作品，而有些导演热衷于没有情节剧的芭蕾，注重形式美。两部作品中的优秀剧目都为观众所欣赏，经常作为保留剧目上演。20世纪以来，各种文学思潮对芭蕾创作的影响越来越明显，出现了许多风格各异的作品。

编舞是创作一部芭蕾舞作品的关键人物。他根据文学剧本(或者一个故事、一首诗、一部音乐作品)构思芭蕾结构或者舞蹈结构，然后演员再去体现。编舞和演员都必须掌握芭蕾语言(或芭蕾词汇)——芭蕾技术技巧，以及运用芭蕾语言表达特定内容或情感的能力。编导要知道自己擅长什么，不能表达什么；另一方面，演员应该训练有素，能够适应并创造性地体现编舞家的想法。只有具备了这些基本条件，芭蕾创作才能进行和完成。芭蕾的结构形式有:独舞、二人转、三人舞、四人舞、群舞等。古典舞、个性舞(舞台民族舞、民间舞)、现代舞等。根据以上形式，多幕芭蕾(分分合合，如《天鹅湖》)、单幕芭蕾(如《仙女》)和芭蕾小品(如芭蕾舞剧的这种结构形式在19世纪后期发展到高度规范化和风格化，影响和制约了芭蕾的发展。在20世纪导演创作的大量芭蕾作品中，这些规范和程序都被大大突破，新的探索和创作不断涌现。

世界芭蕾舞发展概况

宴会芭蕾

芭蕾舞出现在15-16世纪文艺复兴全盛时期的意大利，艺术家们竭力模仿古希腊的艺术风格。最早的芭蕾舞表演是在一次宫廷宴会上举行的。1489年，《俄耳甫斯》在意大利的一个小镇上演，庆祝米兰公爵和西班牙阿拉贡的伊达贝尔公主的婚礼。当时的表演形式与我们今天看到的芭蕾舞表演完全不同。每次表演一般都与上菜有关，比如模拟狩猎表演开始后吃野猪；海神和河神出现了，开始吃鱼。然后，许多神话人物上台献上许多菜肴和水果，最后来宾们也参加了热闹而狂欢的表演。这是一种集歌唱、舞蹈、朗诵、戏剧表演于一体的表演形式。可以说是芭蕾的雏形，后人称之为“宴会芭蕾”。

宫廷芭蕾舞团

随着意大利贵族与法国宫廷的通婚，意大利芭蕾舞表演被带到了法国。1581年，女王的喜剧芭蕾在亨利三世的妹妹玛格丽特的婚礼上上演。当时没有舞台，观众坐在三面墙的两层楼道里。国王和显贵们坐在祭坛上，表演在大厅的地板上进行。导演波伏娃是一名受雇于法国的意大利人。内容展示了瑟瑟如何征服阿波罗，却不得不向法兰西国王陛下屈服。表演融合了戏剧、音乐、舞蹈、朗诵和杂技。路易十四时期(1643-1715)，法国芭蕾发展到了顶峰。路易十四本人热爱舞蹈，训练有素。15岁时，参加宫廷芭蕾《卡珊德拉》的演出，饰演阿波罗。

动作芭蕾

18世纪的欧洲启蒙运动深刻影响了法国芭蕾的发展。其创新思想表现在反对芭蕾舞作为贵族消遣的装饰品，使芭蕾舞像戏剧一样表现现实生活，主张芭蕾舞应有社会内容和教育意义。这就是“剧情芭蕾”产生的时代背景。诺威尔代表了欧洲芭蕾革新的主流，体现了启蒙运动的民主精神。在《舞蹈与舞剧书信》中，他提出了自己对芭蕾的创新理念。诺维尔的学生让·多贝瓦尔(Jean Dobejval)创作了芭蕾舞剧《无益的小心》，至今仍在上演，成为当代各大芭蕾舞团的保留剧目。

浪漫芭蕾

浪漫主义芭蕾是芭蕾发展史上的一个“黄金时代”，在舞蹈技巧、编舞和表演形式上都经历了辉煌的阶段。舞剧如仙女、吉赛尔、梅拉尔、海贼等的出现，造就了一批芭蕾人才，如佩罗、伯恩维勒、坦乔、艾斯勒等。这一时期芭蕾的特点概括如下:

1，内容和主题的变化。超凡脱俗的神仙鬼怪已经取代了神话传说和古代英雄故事中的人物。反映一种对现实的不满和失望，一种对超越世界的另一个世界的利益追求，或者用死亡来摆脱对现实的失望，或者用一种不切实际的追求来代替对生活的渴望。其中代表作品有仙女(1832)和吉赛尔(1841)。集法国风格于一身的《吉赛尔》成为浪漫芭蕾的巅峰之作，随后浪漫主义与现实主义的结合逐渐显现。

2.舞蹈技巧和表演有了很大的进步，脚尖舞技巧成为女舞者表演的重要因素，男性的舞蹈技巧也有了进一步的提高。

3.在表演形式上，采用了煤气灯的灯光和幕布，并对芭蕾舞服装和舞鞋进行了改革，产生了一种诗意而轻盈的风格。

浪漫芭蕾的黄金时代极其短暂。从19年的30年代到40年代，在10年多一点的时间里停滞枯萎。从19世纪下半叶开始，欧洲芭蕾的中心逐渐转移到俄罗斯。

俄罗斯芭蕾舞

19世纪下半叶，欧洲浪漫芭蕾衰落，复兴芭蕾的使命历史性地落在了俄罗斯的肩上。自20世纪40年代以来，外国舞蹈家经常访问俄罗斯。塔里奥尼父女佩罗、圣莱昂等人的演出和导演活动，特别是布尔农维尔学生约翰逊(在圣彼得堡)和布拉斯(在莫斯科)的教学活动，向俄罗斯舞蹈界传授了法国和意大利两大舞蹈流派的精髓，并逐渐形成了一个新的流派——俄罗斯舞蹈流派。马蒂帕和伊万诺夫在剧目的构建中起到了决定性的作用。柴可夫斯基通过《天鹅湖》、《睡美人》和《胡桃夹子》实现了芭蕾音乐的创新，使音乐成为芭蕾中塑造形象和叙述事件的基础，启发和丰富了编导的交响舞蹈思想。《天鹅湖》第二幕达到了舞蹈诗的顶峰，被视为交响舞蹈的典范。后来格拉祖诺夫写了《雷蒙达》(1898)、《四季》(1900)，继承了浪漫主义的芭蕾传统，体现了俄罗斯现实主义的传统。

20世纪初，俄罗斯芭蕾已在世界芭蕾中占据主导地位，拥有自己的剧目、表演风格和教学体系，涌现出一批编舞家和表演者。此后，俄罗斯芭蕾界的一批年轻人要求创新和探索新的表演手段和发展道路。戈尔斯基和福晋是他们的领袖。福昆的创新理念在帝国剧院是无法实现的，他的主要作品都是在国外为迪亚吉列夫芭蕾舞团排练和上演。迪亚吉廖夫从1909年开始连续三年组织俄罗斯演出季，并于1913年建立了以蒙特卡洛为基地的常设剧团——“迪亚吉廖夫俄罗斯芭蕾舞团”，在欧美各地巡回演出，影响巨大，将俄罗斯保存下来的古典传统剧目送回欧洲，促进了欧洲芭蕾舞的复兴。剧团解散后，成员分散在欧美，有法国的利法尔、英国的德瓦尔瓦、美国的巴兰钦、福晋等，为各国芭蕾的复兴或创作做出了重要贡献。

当代芭蕾

1929年底，丽发成为巴黎歌剧院芭蕾舞团永久编舞兼主舞。直到1958离开，他其实进行了一项改革，比如废除了延续了几个世纪的赞助人在芭蕾舞演出前在后台与舞者聊天的权利。每周还有一次开幕式。1932复盘吉赛尔的时候，利法演的是艾伯特。他是个聪明的人。《巴黎圣母院》是罗兰·佩蒂根据耶鲁大学音乐改编并导演的，取得了辉煌的成功。《火鸟》是莫里斯·贝哈尔在1970年创作并执导的，是最独特的作品。巴黎歌剧院芭蕾舞团的剧目有《吉赛尔》、《加布里埃尔》和《西尔维娅》。

英国芭蕾主要归功于三位伟大女性的终身管理:阿德琳娜·杰奈夫人，在皇家剧院担任首席芭蕾舞演员多年；尼纳特·德·瓦洛娃夫人的不朽之作是皇家芭蕾舞团；玛丽·兰伯特夫人是以她的名字命名的芭蕾舞团的创始人。还有节日芭蕾和苏格兰芭蕾。

美国没有国家芭蕾舞团。巴兰钦和林肯·柯斯坦在1933见过一次面，受邀主持美国舞蹈学校。1948转制为纽约市芭蕾舞团，巴兰钦任艺术总监兼主要编舞，杰罗姆·罗宾斯任助理艺术顾问。形成了典型的美国舞蹈风格。另一个重要的芭蕾舞团是美国芭蕾舞剧院，它于1940开始活动。傅福金、马鑫、安东尼·都铎等。亚瑟·米切尔的哈莱姆舞剧院乔佛里芭蕾舞团是第一个黑人古典芭蕾舞团。

丹麦皇家芭蕾舞团是丹麦民族传统的杰出继承者。百年前Bournonville创作的芭蕾舞，至今仍以纯粹的风格在哥本哈根演出。在丹麦芭蕾中，传统意识一直很强。从65438到0932，哈拉尔德·兰德尔被任命为皇家剧院的芭蕾舞指导。直到1952，他为法国和英国改编练习曲，这是一次芭蕾技巧的辉煌展示。

20世纪初有影响的俄罗斯导演有戈尔斯基、普尼和福昆。安娜·巴甫洛娃完美地体现了福昆的思想，在1905中有一只天鹅的死亡。

在俄国，十月革命后，戈尔斯基坚持戏剧的表现力，使其舞蹈演员以斯坦尼·斯拉夫斯基的方式活在角色中，原本在宫廷中产生的芭蕾并没有消亡。1927年，红罂粟在莫斯科演出，这是俄罗斯第一部英雄现代舞剧，标志着古典学派的胜利，指明了遵循的准则，古典芭蕾赢得了新的声誉。谢苗诺娃和乌兰诺娃首次登台。新创作的舞剧注重戏剧结构，更多运用民间舞蹈，丰富编导的词汇。俄罗斯芭蕾开始复兴。

从1581开始，法国上演了400多年的女王喜剧芭蕾。芭蕾已经遍布世界各地，被公认为人类文化遗产的重要组成部分，成为世界性的艺术，五大洲的许多国家都建立了自己的专业芭蕾学校和芭蕾表演团体。当今世界，芭蕾艺术蓬勃发展，古典芭蕾与现代芭蕾、戏剧芭蕾与交响芭蕾等不同流派相互竞争，涌现出一大批人才和剧目。许多国家逐渐形成了自己的风格和特色，在芭蕾的艺术表现上也出现了新的探索和创造。

如何欣赏芭蕾

欣赏芭蕾大致有两种方式。一个是传统的，一个是现代的。一般主张欣赏的方法要与欣赏的对象相统一:即以细致的传统观念来欣赏“早期”、“浪漫主义”、“古典主义”三个传统时期的芭蕾、音乐剧芭蕾和纯芭蕾。

传统的欣赏观念要求观众提前半个小时左右到达剧场，把日常生活中的琐事和烦恼都丢在剧场大门外或衣帽间的俗世空间里，然后静下心来全心投入到剧场这个非常特殊的审美领域，与路上的拥堵、菜场的喧闹、单位的争执、家庭的琐事无关。进入仙女、吉赛尔、加布里埃拉等人造仙境，进入睡美人、胡桃夹子、天鹅湖等梦幻世界，逃离城市的喧嚣和几个小时的精神压力。接下来，我们还可以仔细研究节目，阅读剧情大纲、相关评论、舞团简史、导演和舞者介绍等相关资料，找出家喻户晓的芭蕾舞明星，想象醉人的音乐，期待奢华华丽的服装和壮丽的景色...

现代的欣赏理念对观众没有什么苛刻的要求，而是为他们提供了一种随遇而安的哲学，因为现代生活的节奏根本不允许观众，尤其是专业观众提前半个小时到达剧场，而是强调观众在欣赏的过程中不需要任何先辈的意见，只需要用自己随身携带的不同的理性知识去理解，用来自生活的丰富多彩的感性经验去参与。

按照这种欣赏思路，节目单上的东西，根本就是编导们设置的陷阱，或者是为了弥补编导或芭蕾舞编导的语无伦次而出售的灵丹妙药。你可以不看，或者最好不看！剧情怎么“写”并不重要。能否成功只能看他在舞台上如何“跳舞”。归根结底，芭蕾还是以舞蹈为主，戏剧为辅。否则就无法解释芭蕾中的男主角在跳完二重奏甚至是跳完变奏曲后频繁向观众敬礼的现象。如果戏剧比舞蹈重要，这种行为就不是“戏”。西方观众和评论家怎么能忍受整整一个世纪？

这种欣赏思维认为，明星可以欣赏，但不必佩服。明星崇拜的氛围真的太古典了！按照自己的审美标准，而不是跟随批评家的意见；最重要的是找到自己眼中心中的那颗星，而不是随波逐流。

中国芭蕾舞的历程

哈哈的笑

如果说1581年法国“皇后喜剧芭蕾舞团”的演出一直被视为芭蕾舞的开端——雏形，那么芭蕾舞在中国的传播和发展则是在差不多三个世纪之后。然而，虽然起步晚，却是一个飞跃。

20世纪初，外国芭蕾舞团来华演出，但规模有限。此后，俄罗斯华侨纷纷来华创办业余私立芭蕾舞学校，在上海、天津、哈尔滨等地影响较大——对中国的芭蕾舞启蒙教育有积极作用。毫无疑问，芭蕾舞在中国的真正兴起和发展也是在中华人民共和国成立之后，这与中国政府积极吸收和支持一切具有世界意义的优秀文化艺术的基本政策密切相关。

起初，俄罗斯学派对中国的芭蕾舞有影响。从1954年2月第一位苏联专家O A·叶连娜应邀来京开办第一期“师资培训班”，到1958年中国第一部经典芭蕾舞剧《天鹅湖》，中国芭蕾舞剧在起步阶段实现了快速的“三级跳”。在此期间，熟悉芭蕾艺术的戴也发挥了重要作用。

第一期“师资培训班”的学员(大部分都接受过一些芭蕾舞训练)奇迹般地在半年时间内完成了苏联舞蹈学校65438级+0-6级的教学大纲，并全部通过了严格的考试。他们成为同年成立的北京舞蹈学校和芭蕾舞学院的教学骨干。从那以后，我在实践中不断完善，成长为一名真正的芭蕾舞教育家——培养了一批优秀的人才。实现“三级跳”的重要措施是边训练边练表演。这一时期，苏联著名芭蕾舞艺术家经常在中国演出，他们精湛的表演吸引了众多观众。中国人民逐渐熟悉并喜爱这项艺术。

1957年，在卓别林的指导下，中国上演了芭蕾舞剧《LA FILLE MAL GARDEE》，这是18年末让·多贝吉瓦尔的作品。它具有现实主义的风格，适合当时中国芭蕾舞演员的实际水平。通过表演，团队得到了提高。

1958 10在古谢夫的指导下，北京舞蹈学校集中力量，成功上演了举世闻名的经典芭蕾舞剧《天鹅湖》(白淑湘饰演)，在国内外引起强烈反响。通过严格的排练，高速造就了一支人才济济的芭蕾舞团队。现在，《天鹅湖》已经落户中国——它已经成为最吸引观众的芭蕾舞剧。1959年底，北京舞蹈学校实验芭蕾舞团成立，这是中国第一个专业芭蕾舞团。次年，上海成立了与北京相同建制的舞蹈学校，也承担了培养专业芭蕾人才的任务。从此南北呼应，努力开拓芭蕾新局面。《天鹅湖》之后，在59年和60年，在古谢夫的指导下，先后成功演出了《勒科尔赛尔》和《吉赛尔》。对于年轻的中国芭蕾舞团来说，承接这两部风格迥异的著名芭蕾舞剧似乎很容易。

在此期间，中国送蒋祖慧(1934——)和王希贤(1933——)到莫斯科国立戏剧学院编导系深造，成绩优异。回国后，蒋祖慧发布了自己的毕业作品——西班牙女儿(改编自文艺复兴时期欧洲著名作家Lobe Deviga的著名诗剧《阳泉村》，于1961在天津歌舞剧院首演；王希贤在北京执导演出其毕业作品《巴赫赫一世沙雷之泉》(根据俄罗斯诗人普希金的著名长诗改编，北京舞蹈学校实验芭蕾舞团首演。

1963年，中央歌剧舞剧院成立，学校附属芭蕾舞团结束实验阶段，归属国家话剧院。不久，蒋祖慧又执导了另一部著名的芭蕾舞剧《诺尔特-达姆·德拉里斯》(根据法国著名作家雨果的同名小说改编)，在中央歌剧舞剧院首演。.....短短10年间，中国的导演和演员已经基本能够独立掌控经典芭蕾的创作、排练和舞台表演。

从1964年开始，中国芭蕾舞的创作实践开始了。事实上，第一代芭蕾的导演大多是从学习民族舞蹈转向芭蕾专业的，他们的民族文化背景无疑有助于芭蕾民族化的探索。中国大型芭蕾舞剧《红色娘子军》的演出虽然严格意义上不是“第一记录”(之前也有过不同类型、不同规模、不同效果的芭蕾舞民族化)，但可以说是第一部最成功的中国大型芭蕾舞剧——无论是内容还是形式，都具有鲜明的中国风格和中国气派。

《红色娘子军》首播1964，导演:李成祥、王希贤、蒋祖慧；作曲家:吴祖强、杜鸣心等。首演者:中央歌剧舞剧院，女主角:白淑湘饰演琼花；吴授勋连长；演员:刘清堂饰演洪常青；李成祥饰演南霸天；主要女配角:赵汝恒饰演琼花的战友；万饰演老四。是根据同名电影改编的。讲述中国二次革命的故事:受尽折磨的琼花，因不堪忍受地主南八天的压迫，逃出虎口，结识了红军代表洪常青。经过他的指导，琼花参加了《女兵》，经过磨练和考验，成长为一名优秀的革命军人。洪常青死后，她举着红旗勇敢前进。这部舞剧，以其悲剧的情节、恢弘的场面、鲜明的人物形象和海南岛的地域风情，自诞生以来赢得了众多赞誉。首次塑造了一个穿着尖头鞋的女兵中国的英雄形象，将芭蕾的精髓与中国的风格融为一体，为世界芭蕾增添了一朵奇葩。

白毛女由(1929-)、傅爱娣(1936-)、程(1932-)、林(1939-)、以及

《白毛女》1965首演，颜作曲；首演者:上海芭蕾舞团；女主角:蔡国英(a)和茅惠芳(b)饰演Xi；顾霞美(a)和石钟琴(b)饰演白毛女；男主角:凌桂明饰演大春；主要男配角:董希林饰演杨白劳。根据同名歌剧改编，讲述了一个贫穷农民的女儿Xi的故事，她被迫卖给恶霸地主黄世仁还债。她感到很丢脸，于是逃进了山里。经过多年的露营，我的头发变白了，不知道的人称之为“白发仙女”--(鬼)。最后，她被八路军所救，并与她年轻的爱人大春重聚，后者已经是八路军的一名士兵。歌剧《白毛女》以“旧社会把人逼成鬼，新社会把鬼变成人”的真实故事感动了中国千千的千千万万人。

这部芭蕾舞剧没有走原著的取经捷径，而是根据芭蕾舞剧的艺术特点进行了再创作。它巧妙地运用了中国古典和民间舞的素材，通过现实主义和浪漫主义的结合，将剧情呈现为一部芭蕾舞剧。对于剧中的主要人物，如:Xi儿的天真甜美和成为“白毛女”后的坚韧刚毅；大春的单纯和诚实，他参军后的勇敢和努力，还有黄世仁的阴险和毒辣...都是呼之欲出。

《红色娘子军》和《白毛女》在中国芭蕾发展史上具有里程碑式的意义。他们是“洋为中用”的更深层次实践，以独特的中国特色自立于世界芭蕾艺术之林。集体的智慧弥补了经验的不足，使得中国芭蕾的探索从更高的起点开始，起步很快。与其他舞蹈和芭蕾作品的命运不同，这两部作品在文革时期被定为“样板戏”——当时很少被允许上演的两部舞剧。《红色娘子军》和《白毛女》经受了时间和社会的考验，仍然具有艺术生命力。这两部作品都是公认的“20世纪经典”。文艺复兴在芭蕾领域的演出，就是恢复西方芭蕾经典剧目的演出，让长期只看过1“红”和1“白”的观众，在很久之后，掀起一股看天鹅湖的热潮。

新时期的中国芭蕾舞呈现出蓬勃发展的态势；

首先，要以更加开放的眼光去吸收和借鉴世界，不要局限于单一的俄罗斯学派的影响。自80年代初以来，英国、法国、德国、瑞士、加拿大等国的著名芭蕾舞艺术家以友好交流的形式传授技艺。芭蕾舞大师安东·道林(Anton Dowling)和著名芭蕾舞编导B·史蒂文森(B STEVENSON)都曾在中央芭蕾舞团排演过自己的作品:纯古典风格的《TE-PASDE kixode》、《男女前奏曲》和著名芭蕾舞大师巴兰钦的《小夜曲》。

此外，近十年来，中国还上演了许多风格各异的西方经典剧目，如:1980，在巴黎歌剧院芭蕾舞大师莉塞特·桑瓦尔的亲自指导下，中央芭蕾舞团演出了著名的法国浪漫主义芭蕾舞剧《西尔维娅》；1984年，英国著名芭蕾舞艺术家贝琳达·赖特和尤里萨·吉尔考排练并表演了安东·道林版本的《吉赛尔》。在1985，唐吉诃德)；是在世界级芭蕾舞艺术家R·纽瑞耶夫和芭蕾舞大师尤金·波利亚科夫的亲自指导下进行的。还有《罗密欧与朱丽叶》(1989，罗曼·沃克导演)和《睡美人》(1994，麦克·米兰版，莫里科·帕克导演)，都很成功。尤其是努里耶夫，以其无与伦比的精湛技艺和对戏剧人物的深刻理解，结合中央芭蕾舞团的实际，进行了严格的训练，极大地促进了演员水平的提高——在中国芭蕾舞史上留下了珍贵的一页。在上述国际交流活动中，戴起到了很好的桥梁作用。同时，北京舞蹈学院坚持学习与实践相结合的良好传统，先后上演了《加布里埃拉》(1979)、《舞蹈家》(1981)。上海芭蕾舞团上演《那不勒斯》(又名《渔夫与新娘》)第三幕；天津歌舞剧院重演西班牙女儿(1982)；此外，成立于1981的辽宁芭蕾舞团出品的《海霞》(1983)...这不仅丰富了群众的文化生活，而且在各国芭蕾权威的指导下，演出了纯正的古典芭蕾名作，使新一代芭蕾人才迅速成长。

5月1980汪齐凤(女，上海)参加在日本大阪举行的第三届世界芭蕾舞大赛，获得第14名，为中国获得首枚芭蕾舞奖牌。

65438年6月至0982年6月，汪齐凤(女，上海)和张伟强(北京)在杰克森国际芭蕾舞比赛中获得三等奖。

1984 165438+10月第一届巴黎国际芭蕾舞蹈大赛，(上海)、王(北京)荣获巴黎歌剧发展协会奖。

此后，中国选手频繁参加各种国际芭蕾舞比赛，显示出强大的实力。比较突出的有:

1985——13洛桑国际芭蕾舞蹈大赛，李颖(女，北京)获得第一名，徐刚(北京)获得第二名；

1985 ——在第五届莫斯科国际芭蕾舞比赛中，唐敏(女)获得最佳表演技巧奖，张伟强和赵民华分别获得男演员奖。

孩子们的二重唱和独舞获得了第三名(都来自北京)。

1992 ——谭元元(上海)获第五届巴黎国际芭蕾舞大赛一等奖；同年，谭元元获得1日本芭蕾国际大赛女子少年组金牌(中国辽宁女选手于晓楠获得同组少年组银奖)；波兰尼金？/ca & gt；